ATELIER MITCH - INSTRUCTION ARTISTIQUE EN LIEN AUX EXPOSITIONS


		ATELIERS ARTISTIQUES 0

			CINQ ATELIERS AU CHOIX GRAVURE & SERIGRAPHIE DESSIN & MODÈLE VIVANT PEINTURE - PREPA ART MODELAGE CÉRAMIQUE


		STRUCTURE ENGAGÉE 0

			TARIFS 2H POUR 17,5€ 3H POUR 19,80€ COURS DECOUVERTE 2 OU 3H 30€ PRIMAIRE PRISE EN CHARGE ÉCOLE + 15 € ADHÉSION ANNUELLE ASSO GROUPES SCOLAIRES 3,50€/pers.


	ABONNEMENT AU TRIM. 2 / 2024-25 0

NN		INSCRIPTION TRIMESTRE 3 DU 28 AVRIL AU 05 JUILLET 2025 210€ (2H) - 238€ (3H) - 250€ (ILLIMITÉ) PONTS MAI AUTRES DATES POSSIBLES

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VACANCES

PROGRAMME PÁQUES 2025

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ATELIERS

PROGRAMME DÉTAILLÉ 2025

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TARIFS
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17,5€ pour 2H
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238€ PAR TRIMESTRE

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ATELIER MITCH
ASSOCIATION LOI 1901
SIRET 879378 826 00017

13 QUAI DE SEINE 75019 PARIS
M° JAURES ou STALINGRAD

RESPONSABLE ATELIERS

CLAIRE BRESSON
claire@atelier-mitch.com

SECRÉTARIAT
JEAN-PAUL COLONNA
jeanpaul@atelier-mitch.com

PRÉSIDENCE
MICHEL LAGARDE
michel@atelier-mitch.com

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ATELIERS
PASSÉS

> PROGRAMME 2022-23

> PLANNING Rentrée 2023

> INSCRIPTION Rentrée 2023

> PROGRAMME 2021-22

> PROGRAMME 2020-21 Act I

> PROGRAMME 2020-21 Act II

> SOUVENIRS 2020-21

PROGRAMMATION

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2024-2025 / PAS D'EXPOSITIONS
ATELIERS UNIQUEMENT AUTOUR DE L'HISTOIRE DE L'ART

2023-2024

JULES BERTIN

FRÉDÉRIC POINCELET

QUENTIN GERMAIN

VINCENT HEDIN-PERRY


		DU 08 MAI AU 21 JUIL 2023 VERNISSAGE LE 07/05/23


		DU 04 SEPT AU 21 OCT 2023 FINISSAGE LE 13/10/23


		DU 06 NOV AU 12 DÉC 2023 FINISSAGE LE 07/12/23


		22 AVRIL AU 22 JUIN 2024 FINISSAGE LE 21/06/24

2020-2023 / PAS D'EXPOSITIONS
ATELIERS UNIQUEMENT AUTOUR DE L'HISTOIRE DE L'ART

2019-2020


		DU 02 SEP AU 18 OCT 2019 FINISSAGE LE 17/10/18


		DU 04 NOV AU 17 DEC 2019 FINISSAGE LE 18/12/19


		DU 06 JAN AU 7 FEV 2020 FINISSAGE LE 07/02/20


		DU 04 MAR AU 19 MAR 2020 FINISSAGE LE 03/03/20

2018-2019


		DU 03 SEP AU 19 OCT 2018 FINISSAGE LE 18 OCT 2018


		DU 05 NOV AU 21 DEC 2018 FINISSAGE LE 20 DEC 2018


		DU 07 JAN AU 22 FEV 2019 FINISSAGE LE 21 FEV 2019


		DU 11 MAR AU 19 AVR 2019 FINISSAGE LE 18/04/19

EMILIE BAZUS


		DU 06 MAI AU 27 JUIN 2019 FINISSAGE LE 26/06/19

2017-2018


		DU 04 SEP AU 20 OCT 2017 FINISSAGE LE 18 OCT 2017


		DU 05 NOV AU 22 DEC 2017 FINISSAGE LE 21 DEC 2017


		DU 08 JAN AU 16 FEV 2018 FINISSAGE LE 14 FEV 2018


		DU 05 MAR AU 13 AVR 2018 FINISSAGE LE 11 AVR 2018

SYLVAIN GRANJON


		DU 30 AVR AU 08 JUIN 2018 FINISSAGE LE 06 JUIN 2018

2016-2017

DENIS DARZACQ

BLEXBOLEX

JULIEN FARGETTON

ANTOINE CARBONNE


		DU 1er SEP AU 17 OCT 2016 FINISSAGE LE 19 OCT 2016


		DU 02 NOV AU 16 DEC 2016 FINISSAGE LE 27/06/19


		DU 03 JAN AU 03 FEV 2017 FINISSAGE LE 1er JAN 2017


		DU 20 FEV AU 31 MAR 2017 FINISSAGE LE 29 MAR 2017

FRED ATLAN

MONTROUGE KRISTAL


		DU 18 AVR AU 26 MAI 2017 FINISSAGE LE 24 MAI 2017


		DU 29 MAI AU 7 JUIL 2017 FINISSAGE LE 27 JUIN 2017

2015-2016


		DU 01 SEP AU 16 OCT 2015 FINISSAGE LE 14 OCT 2015


		DU 02 NOV AU 19 DEC 2015 FINISSAGE LE 13 DEC 2015


		DU 04 JAN AU 19 FEV 2016 FINISSAGE LE 17 FEV 2016


		DU 07 MAR AU 16 AVR 2016 FINISSAGE LE 13 AVR 2016

E. & R. BOUROULLEC

MONTROUGE KRISTAL


		DU 02 MAI AU 03 JUIN 2016 FINISSAGE 1er JUIN 2016


		DU 06 JUIN AU 08 JUIL 2016 FINISSAGE LE 1er JUIL 2016

2014-2015

VALÉRIE MRÉJEN

JESSICA LAJARD

BRECHT EVENS

JULIEN SALAUD


		DU 02 SEP AU 18 OCT 2014 FINISSAGE LE 18 OCT 2014


		DU 03 NOV AU 20 DEC 2014 FINISSAGE LE 19 DEC 2014


		DU 05 JAN AU 19 FEV 2015 FINISSAGE LE 13 FEV 2015


		DU 02 MAR AU 17 AVR 2015 FINISSAGE LE 16 AVR 2015

VALÉRIE VILLIEU

MONTROUGE KRISTAL


		DU 04 MAI AU 05 JUIN 2015 FINISSAGE LE 04 JUIN 2015


		DU 08 JUIN AU 17 JUIL 2015 FINISSAGE LE 24 JUIN 2015

2013-2014


		DU 02 AU 28 SEP 2013 FINISSAGE LE 28 SEP 2013


		DU 02 OCT AU 03 NOV 2013 FINISSAGE LE 03 NOV 2013


		DU 04 OCT AU 30 NOV 2013 FINISSAGE LE 30 NOV 2013


		DU 03/12/13 AU 11/01/14 FINISSAGE LE 11 JAN 2014


		DU 13 JAN AU 28 FEV 2014 FINISSAGE LE 28 FEV 2014


		DU 04 MAR AU 11 AVR 2014 FINISSAGE LE 11 AVR 2014


		DU 14 AVR AU 30 MAI 2014 FINISSAGE LE 30 MAI 2014


		DU 02 AU 21 JUIN 2014 FINISSAGE LE 21 JUIN 2014

	VINCENT HÉDIN-PERRY EXPOSITION DU 22 AVRIL AU 22 JUIN 2024 Finissage avec élèves le 22 juin 2024		Texte de Vincent Hédin-Perry : Je fais presque exclusivement de la peinture mais lors de mes premières années à l’école, je travaillais surtout l’installation sonore et la scénographie.. Je me retrouve beaucoup dans la notion de « liminalité », le moment où une chose, un lieu ou un être se retrouve à la frontière de deux réalités, dans un point de bascule entre ce qui est actuel et dépassé, entre ce qui est familier et étrange, entre générique et singulier. Comment les espaces et les personnes qui nous entourent peuvent-i.els évoluer dans la manière dont on les perçoit ?* De même, j’essaye de parler de sujets comme l’isolement, l’errance ou encore le rapport compliqué entre espaces intérieurs et espaces extérieurs. Par rapport à ces questionnements, la peinture m’offre la possibilité de mettre en scène des éléments de mon environnement personnel, les placer à distance, les transformer afin d’interroger les liens que j’entretiens avec eux. * Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy en Création sonore, Peinture & Installation de 2017 à 2022, après un Master I&II Cultural Studies en 2017 à Sciences Po Toulouse.
Jules, VINCENT HÉDIN-PERRY, 2023. Acrylique sur toile, 190 x 170 cm.

	HISTOIRE DE L'ESTAMPE TAILLE D'ÉPARGNE / TAILLE DOUCE / IMPRESSION À PLAT Exposition du 26 février au 05 avril 2024h		Pour faire suite à la présentation en début d'année d'une centaine d'images imprimées et emblématiques de l'histoire de la photographie sur deux cents ans, il nous est paru important de clôturer cet épisode d'exposition sans prêt d'oeuvres, en renouvellant ce concept de narration chronologique sur un médium encore plus ancien que le tirage photographique, celui de l'estampe. La narration mettra l'accent sur l'intérêt pour les artisans, puis les artistes, de créer une matrice à des fins de reproductions faciles et rapides. Cet art du multiple où sa première forme sur bloc de bois apparait en Chine 250 avant J.C. pour reproduire des textes boudhistes sur des texiles, participe alors jusqu'au début de la Renassance à la diffusion principalement d'images sacrées afin d'accroître le culte religieux auprès du peuple, le plus grand nombre illétrés. Cette taille d'épargne (qui réserve les blancs, là où l'encre ne se pose pas), appelée aussi xylographie, donne place à la taille douce où successivement burin, pointe sèche puis berceau sont logés dans le creux des mains de grands maîtres -Shongauer, Dürer, Mellan, Harmenz Muller- pour dégager la matière, créer un sillon plus ou moins profonds, rechercher les textures, volumes et valeurs. Discipline qui nécessite une maîtrise de la main si la taille est directe, sur plaque de cuivre au début de son existence puis sur zinc (voir les estampes de Rembrandt, Munch, Degas, Piketty). Et c'est au milieu du XVIIème que la taille indirecte fait jour, et prend la part belle dans notre exposition au vu d'un grnd nombre d'oeuvres, avec le procédé de l'eau-forte tout d'abord (de Rubens à Diemunsch aujourd'hu), puis de l'aquatinte (de Picasso à Doig), offrant pour ce dernier des effets comparabes au lavis.
Undefined Territory I, série Les Constances, LUCILE PIKETTY, 2018. Xylographie, diptyque, 200 x 150 cm.

	HISTOIRE DE LA PHOTOGRAPHIE de 1822 à 2023 Exposition du 08 janvier au 09 février 2024h		Pour la première fois depuis 2013, nous ne sollicitons pas de prêt d'oeuvres auprès d'un artiste contemproain pour la programmation artistique de notre espace, en ce début d'année 2024. En effet, l'association et atelier Mitch souhaite avec la monstration de plus d'une centaine d'oeuvres imprimées, vous proposer un aperçu de deux histoires riches de progrès technologiques et d'audaces artistiques, avec celle de la photographie qui est présentée actuellement jusqu'aux vacances de février, et celle de la gravure dévoilée dans notre espace à partir du 26 février 2024. Nous choisissons de retracer par des oeuvres photographiques majeures les étapes qui jalonnent l'évolution du procédé depuis son invention, de 1822 jusqu'à 2023. Certes, nous évoquons auprès des plus jeunes les réflexions concernant la chambre noire autant au Ier siècle avant JC par Aristote, qu'au Xème après JC par Ibn al-Haytham, ou même celles de la camera obscura à l'époque de la Renaissance. Mais nous avons privilégier de faire reproduire sur papier pour une présentation au public ignorant de ces deux ans d'évolution et révolution photographique, des images témointes aussi de recherches créatives. Vous retrouverez dans notre grand espace d'expositio, un extrait des débuts innovants, par les travaux de Niepce, Daguerre, Fox Talbot, Bayard, Ducos du Hauron, Muybridge, ou des frères Lumières, au parti pris artistiques par les travaux de Le Gray, Cameron, Steichen, Weston, Rodtchenko, Man Ray, Ubac, Skoglund, Blums, Levé, Schmid, Aziz & Cuchin, Poitevin, Ramette, Moulène ou Bublex. Nnotre sélection n'omettra pourtant pas de souligner la vulgaristation de ce médium par le photo-journalisme de Capa, Doisneau, Cartier-Bresson, Evans, Weegee, Depardon, Merillon, Pernot, Fréger, Mosse, ou par une photographie plus intimiste avec les travaux d'Atget, Lange, Winogrand, les Becher, Goldin, Wall, Scherman, Dijkstra et Dobai.
Un été, Marion Poussier. Tirage lambda contrecollé sur Dibond, 40x40 cm, 2005.

*	QUENTIN GERMAIN Exposition du 06 novembre au 22 décembre 2023 Rencontre artiste le vendredi 15 décembre 20238h		Diplômé des Beaux-Arts de Paris, Quentin Germain est un artiste dont l’œuvre se nourrit de ses propres voyages (Brésil, Liban,Chine, Ex-Yougoslavie) et de sa fascination pour l’archéologie. Grand lecteur des romantiques allemands, ses toiles transmettent la notion de sublime, également chère à certains de ses contemporains comme Anselm Kiefer. Il s’inspire également de l’imagerie scientifique et des atmosphères cinématographiques. Quentin Germain est un artiste hanté par la relation que l'homme entretient avec son environnement. Observateur de l’invisible, il s’intéresse à ce que l’on voit sans regarder, ce qui passe inaperçu. Aux Beaux-Arts de Paris, il entreprend un travail sur les Non-lieux : autoroutes, parkings, zones, paysages anonymes et ignorés. En 2017, il dépeint un monde irréel aux accents familiers, entre genèse et ruine. Les tableaux qui en résultent présentent des visions nocturnes où l’homme est totalement absent, mais néanmoins perceptible par les traces qu’il a laissées. Initiée en 2018, la série des Reliquats composent une série de sculptures immergées. Elles représentent des miniatures d'architecture ou de débris d'un inventaire non-exhaustif, de ce qui pourrait rester de notre monde dans un futur très lointain : escaliers, façades, structures, panneaux de signalisation. Après leur conception et leur fabrication en atelier, les douze pièces qui composent la série ont été placées au fond de la mer, pour une durée d’un an. Là, dans l’obscurité turbide de l’océan Atlantique, certaines ont disparues tandis que les autres subissaient le passage du temps, s’oxydant, se détériorant et se faisant coloniser par la faune et la flore. Elles ont alors trouvé leur forme et leurs couleurs définitives, avant d’être finalement vernies puis enchâssées dans leur dernier écrin, des vitrines sur mesure en chêne massif et en verre. Cette série, comme le reste du travail de Gemain Quentin sur la figure de la ruine, pose la question de l’inachèvement et de la métamorphose, de la sublimation par l’altération du temps, du rapport entre nature et culture, tout en interrogeant la symbolique formelle des constructions du monde contemporain.
La Colline, QUENTIN GERMAIN, 2019. Huile et béton sur acier oxydé, 100x150cm. de l’artiste Vue d'exposition QUENTIN GERMAIN. Monolith #3, 2023. Huile sur toile, 120 x 80 cm. Reliquats 2, acier, béton, coquillages, 70 x 40 x 170cm, 2019-2023.

*	FRÉDÉRIC POINCELET Exposition du 04 septembre au 21 octobre 2023 Rencontre artiste le vendredi 13 octobre 2023$		De ses premiers griffonnements pour Lune Produck, Amok ou Le Dernier Cri jusqu’à ses productions pour le collectif Fréderic Magazine, en passant par ses bandes dessinées publiées par Ego comme X, Poincelet a su faire évoluer sa patte inimitable et constituer une œuvre au long cours. Mais un changement radical a récemment opéré dans son travail : les paysages ont pris le pas sur la figure humaine, devenue fantomatique ou reléguée au second plan. L’artiste y escamote toute narration et toute expression au profit d’images factuelles, rémanences de lieux emprunts de poésie et de mystère. Mystère renforcé par le fait que ces paysages à l’état brut, réalisés à partir de photographies, n’évoquent précisément rien de remarquable : un gymnase désaffecté, une barre de cité HLM, une aire de jeux pour enfants, un terrain vague envahi par la végétation, une bâtisse perdue dans la forêt… C’est cette insignifiance apparente, cette absence même de qualité, que Poincelet s’accapare non seulement comme force de proposition plastique, mais aussi comme mise en scène de l’intime. Délibérément dénuées de titre, ces bribes de réel font appel à une mémoire sensorielle qui induit d’emblée une forme de distanciation. Tout se joue dans la transition entre photographie et dessin, entre l’instantanéité de la prise de vue et l’astreinte de sa réappropriation graphique. Par la rigueur et la méticulosité de ses stries tracées au stylo Bic, rehaussées par endroits de touches de Tipp-ex, Poincelet rejoint une conception presque architecturale du dessin. A travers les intrications de traits rectilignes et de formes géométriques – chassés croisés de courbes, d’angles et de lignes droites – se révèlent des compositions qui confinent à l’abstraction. Derrière leur apparente neutralité affleurent cependant des sentiments ambivalents, à mi-chemin entre inquiétude et absurdité, sensualité et mélancolie. Car Poincelet glisse toujours un détail inattendu, une forme contingente, un motif qui dénote. A bien observer, il y a toujours quelque chose qui cloche à un endroit ou à un autre du dessin, quand ce n’est pas en plein milieu. Ce sont parfois des humains qui surgissent comme des apparitions, figés dans des postures incongrues. Ici une lolita lascive, là un enfant égaré. Ailleurs, un couple posant nu avec une soupière entre les mains. Poincelet cherche, creuse et finit par débusquer la beauté là où on s’y attend le moins. Un jeu de lumières, de lignes, de contrastes. Une humeur, une ambiance. Une indicible étrangeté, une menace diffuse. La nature s’imbrique dans l’architecture, le réalisme le plus cru se fond avec l’irrationnel, dans un équilibre ténu entre la rectitude du trait et les lavis d’encres de couleurs qui irradient en arrière-plan. De la détermination dans l’incertitude. De la rigueur dans la désinvolture. De l’élégance dans la trivialité. Un registre de formes et de motifs qui semble indiquer, tel que le pressentait Barthes, que « si le monde signifie quelque chose, c’est qu’il ne signifie rien ». Chez Poincelet, les choses sont ce qu’elles sont, et pas autre chose. Et c’est pour cette raison qu’elles demeurent impénétrables, une fois transfigurées par le dessin. Julien Bécourt, Art Press, janvier 2017.
Sans titre #10, FREDERIC POINCELET, 2016. Stylo à bille et encre de couleur sur papier, 32,5 x 50 cm. Sans titre #10, série Le Palais, FREDERIC POINCELET. Stylo à bille, encres de couleur et peinture aérosol sur papier, 65 x 50 cm022.

	JULES BERTIN Exposition du 08 juin au 21 juillet 2023 Vernissage le mercredi 07 juin 20238h		Texte de CAMILLE PAULHAN, 2022 : Lorsque Jules Bertin a commencé à peindre, il cherchait avant tout une certaine virtuosité, représentant méticuleusement des façades de maisons et d’immeubles, souvent d’après photographie. Par la suite, de l’extérieur et de la froideur de l’architecture, il est passé à des espaces plus intérieurs, intimes et introspectifs. D’abord, il a été question de mystérieuses salles de cinéma, aux sièges bien éloignés les uns des autres et aux projecteurs éblouissants, toujours vidées de leurs spectateurs. Depuis quelque temps, Jules Bertin peint plutôt des chambres : chambres solitaires ou conjugales, dans tous les cas des lieux où là encore la présence humaine n’est qu’indicielle. Ici, c’est un lit défait, là des chaises qui semblent avoir été bousculées ou une table remisée contre un mur pour révéler la nudité de la pièce. Ses peintures fantomatiques – à l’acrylique, au pastel ou les deux mêlés – nous placent dans une position délicate : nos corps n’y sont pas (encore), mais nous n’en sommes pas non plus les voyeurs. Dans ces espaces cubiques, les arêtes s’avèrent floues, et la géométrie est changeante ; les chambres se déplient sous nos yeux comme des châteaux de cartes, les murs se courbent ou s’affaissent. Quelque chose étouffe, et si les cloisons semblent pour certaines transparentes, les fenêtres s’opacifient, refusant un quelconque paysage extérieur au profit d’un panorama pleinement imaginaire. Quand il évoque ses Chambres, Jules Bertin convoque un vocabulaire fusionnel : il aimerait que nous puissions être happés par elles, que leurs grands formats nous incitent à faire quelques pas pour y entrer. Ces derniers temps, il a même fait encore plus de place aux corps, qui n’apparaissent jamais dans ses oeuvres : il a vidé de plus en plus ses pièces, reléguant les affiches, les fauteuils, les tapis. L’invitation n’en est que plus ambiguë, car il faut bien le signaler, la grande majorité de ces chambres ne possède aucune porte de sortie, et l’enfermement guette. À moins que ce recentrement sur soi ne soit d’abord une invitation à une contemplation silencieuse
Portrait de Raphaele, JULES BERTIN. Acrylique sur toile, 141 x 210 cm, 2019. Sans titre I, JULES BERTIN. Acrylique sur toile, 150 cm x 170 cm, 2022. Portrait de Raphaële, Jules BERTIN. Acrylique sur toile, 141 cm x 210 cm, 2019

	> 2019-20 PIERRE SEINTURIER Exposition du 24 février au 04 mars 2020 Finissage en présence de l'artiste le vendredi 03 mars à 18h.		e l uxuriance et verdure. Centralia est une ville de Pennsylvanie aux Etats Unis, désertée à la suite d’un incendie consumant inexorablement depuis plusieurs décennies sa mine de charbon en suivant le filon sinueux du minerai. Ce lieu dévasté sert de point de départ à l’imaginaire de PIERRE SEINTURIER lors de son exposition en janvier 2019 à la galerie Vallois pour offrir aux visiteurs un décor fantasmé qui, telle une oxymore visuelle, n’est que luxuriance et verdure. Les premières œuvres les accueillaient par des plans serrés de mains en suspens face à une surface vierge. Les teintes sépia et le surréalisme des scènes présentées telles un story board plaçaient l'artiste dans la position du narrateur à l’ouverture d’une intrigue sombre. Les espaces de la galerie étaient ensuite pensés comme un décor quasi théâtral, dans lequel un ensemble de panneaux représentaient une forêt dense aux couleurs chaudes et aux traits marqués. De grandes toiles réalisées à l’acrylique entouraient des sculptures en forme de troncs d’arbres coupés aux aspects totémiques servant de lieu de vie à des personnages et saynètes énigmatiques, dévoilaient une nature sans perspective ni transparence, une succession de plans sans point de fuite. Dans ses peintures, ses dessins, Pierre Seinturier propose une ambiance de films de série B, que ce soit à travers ses cadrages serrés sur les visages, sa gamme chromatique jaunie comme celle d’un western spaghetti, ou les titres de ses œuvres. Cette référence ne doit toutefois pas faire oublier la tradition picturale à laquelle il appartient : celle du portrait. PIERRE SEINTURIER se départit de la tradition et réinvente le genre en concevant des portraits qui paraissent moins individualisés, qui semble moins saisir une personnalité qu’être l’instrument d’une narration tout autant indéterminée. PIERRE SEINTURIER, né en 1988, vit et travaille à Paris. Diplômé des Arts Décoratifs en 2011, son travail est remarqué lors du salon de Montrouge en 2013, où il remporte le Prix du Jury. Par la suite, il expose au Musée des Arts décoratifs de Lyon avec le programme des Modules du Palais de Tokyo, pendant la Biennale de Lyon. Depuis 2014. la galerie GP & N Vallois a déjà présenté son travail à quatre reprises. L'artiste a la capacité à nous plonger dans un univers énigmatique, intimiste et mystérieux, qui attire et subjugue immédiatement le spectateur. Preuve en est, les scénographies mises en place par l’artiste, lots de ses expositions monographiques qui souvent nous projette instantanément dans un décor d’intérieur des années 40/50. Dans l'exposition It’s a way of life! en décembre 2015 toujours à la galerie Vallois, on pense immédiatement au film Fenêtre sur cour réalisé par Alfred Hitchcock. Les fenêtres s’ouvraient sur des paysages à l’orée du bois, baignés d’une lumière de fin de journée, où des personnages vus de dos dans des postures énigmatiques attirent notre oeil. La touche poudrée et fondue du peintre et la lumière chaude qui émanent des toiles, nous plongent au premier abord dans une atmosphère de sérénité apparente, mais le silence des scènes devient vite pesant et les poses ambiguës des personnages finissent par provoquer un sentiment de malaise et créent une tension sous-jacente. Par son oeuvre, l’artiste fait ressortir les fantômes des habitants d'une ville abandonnée, mais aussi la nostalgie d’un monde fantasmé qui s’inscrit dans la culture américaine la plus classique, allant du Far West à Terminator en passant par Seinfeld.
Centralia / 011, PIERRE SEINTURIER, 2018. Acrylique et pastel à l’huile sur toile, 195 x 130 cm. Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris. Who are these people? (aut victoria aut mores), PIERRE SEINTURIER, 2013. Crayon gras sur papier marouflé sur bois, 51,5 x 71,5 x 2,5 cm. Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris.

	> 2019-20 VINCENT RUFFIN Exposition du 06 janvier au 07 février 2020 Finissage en présence de l'artiste le vendredi 07 février à 18h.		Homme du nord, rochelais de cœur depuis une quinzaine d’années, VINCENT RUFFIN cherche dans sa peinture à capter nos âmes, l’être humain étant son inépuisable source d’inspiration. Sa sensibilité et ses recherches l’ont porté jusqu’à présent dans la représentation autant du souvenir de famille où peuvent se lire l’amour et les non-dits, que dans les compositions imaginaires narrant les méandres des ambiguités humaines. VINCENT RUFFIN nous offre une peinture généreuse et sensuelle, où l'on est saisi d’emblée par la force de ses paysages et portraits, par les épaisseurs et amas de matières, par le choix des couleur. Comme s’il modelait la matière qui sort de ses pots ou de ses tubes par des angles de vue qui créent une grande intensité. Armé d’une technique solide et affirmée, cet artiste ayant fréquenté autant les Beaux-Arts de Cambrai que la Villa Médicis, cherche à "sculpter" la peinture en travaillant le relief, la texture, le toucher, faisant d’une plaine aride un paysage escarpé, ou d’un visage lisse un faciès creusé de ruisseaux capricieux. Chaque sujet prend des contours fugitifs d’où transpirent une émotion brute par l’histoire du modèle, ou celle qu’on croit deviner. La couleur frissonne, modelée, saturée, tranchée dans le vif. La courbe elle, coule en douceur, révélant toute la grâce et la fragilité du moment. Dans ses portraits de famille, VINCENT RUFFIN peint ce que les photos ne racontent pas, comme les silences et les jours heureux que l’on laisse traîner au final dans les tiroirs, les albums, ou dans le cadre d'un salon. Le portrait est ici prisonnier d’un temps qui n'a plus d’heures, plus d’années, un temps abandonné où le portrait s’accroche à une mélancolie voilée et douce. Lorsqu'il est seul sur la toile, le personnage se détache d'un fond uni étalé au couteau. S'ils sont plusieurs pour une composition rappelant celles du Caravage et portée sur les méandres des régressions d’adultes, l'artiste proposera un décor au plus simple, un sol pour dématérialiser un horizon, un paysage ou désert industriel dont les coups de pinceau révèlent des cieux évoquant ceux de Boticelli. > schoolgallery.fr Dans ces toiles immenses, les modèles semblent trouver, un certain calme, un serein repos, un endroit pour se relier, à une enfance lointaine, inconsciente et sans gêne, un stade avant les choses sérieuses et les bonnes manières, un lieu pour s’abandonner. Au fond ces toiles par une facture aux traits sûrs, sont des excuses pour peindre avec une rage contenue une société qui va mal, en y traduisant sa perversité, jusqu'à sa religiosité révoltante selon le peintre. en usant d'une seule matière que l’on s’approprie pour transcender son propre regard sur le monde : la couleur. Libre, provocateur, différent, VINCENT RUFFIN offrira par une palette fouillée, une atmosphère particulière pour un univers appartenant aux domaines des songes.
Série Genre Manifeste, VINCENT RUFFIN, 2019. Huile sur toile, 55 x 46 cm. Noël, VINCENT RUFFIN, 2012. Huile sur toile, 73 x 54 cm.

> 2019-20
SUZANNE HUSKY
Exposition du 4 novembre au 19 décembre 2019
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 18 décembre à 18h

Dans la mythologie grecque, Khloris (ou Chloris) est la nymphe des fleurs, aimée de Zéphyr, le dieu du vent, déeese qui incarne le monde végétal dans les oeuvres de Boticelli.
On retrouve ce prénom mythologique sur les céramiques de SUZANNE HUSKY imitant parfaitement produit et packaging à échelle réelle, série qui s’inscrit pleinement dans un engagement politique concernant le respect de la nature, des plantes.

Voir une alliance comme nos aieuls le revendiquaient, et non une ressource comme nous le faisons aujourd'hui.

SUZANNE HUSKY, diplômée des Beaux-arts de Bordeaux et d’une école de paysagisme à Oakland, a pour préoccupation principale la planète, ses ressources et les hommes qui la peuplent.
L’art est pour l’artiste un moyen de communication afin d’alerter, en sensibilisant à l’impact de la consommation sur l’environnement.

Lors du Salon de Montrouge 2017, elle dénonçait avec la Noble pastorale -oeuvre que nous avions présenté la même année dans l'exposition collective des enfants, Montrouge Fine Fleur,
les effets de l’homme sur la nature, en détournant la tapisserie de la « Dame à la licorne », la licorne remplacée par un bulldozer.

Cette « douce activiste » invite à une réflexion quant à nos pratiques quotidiennes et leurs conséquences, et digère le monde au travers de multiples mediums, du dessin à la sculpture, de la photographie à la vidéo en passant par la performance, la céramique et la tapisserie.

Protect The Sacred, sous-titre de la tapisserie USA War Rugs, ainsi que les trois céramiques extraites de la série Plantcestors, réalisées toutes deux en 2019, participent à la constatation d'une contestation mondiale, et à la revendication de l'artiste pour une éco-spiritualité.

Les fleurs, symboles de paix à une époque, sont aujourd’hui le reflet d’un environnement menacé.

Dans la tapisserie haute de 2 mêtres, la plante, terre, sorcière sont sacrées et défendues par des réserves indiennes, toutes liguées contre le Dakota Access Pipeline (DAPL), oléoduc long de 1 825 km.

En majeure partie construit, il est controversé quant à sa nécessité, ses effets potentiels sur l'environnement et ses effets sur le changement climatique.
Un certain nombre d'Amérindiens s'y sont opposés pour son passage près de la réserve indienne de Standing Rock.
Ce désastre écologique et spirituel sans précédent pour les Indiens d'Amérique.

Ce contraste récurrent dans ses oeuvres entre un dessin qui peut sembler naïf ou enfantin et le propos qu’il aborde, donne une force supplémentaire au sujet d'être "Gardien" de la terre. Il suffit d'observer les différents émaux de Plantcestors pour comprendre ce qu'est notre appartenance au monde.

SUZANNE HUSKY témoigne ici de ses expériences successives -entre autre lors du workshop "Sacred Earth" de Starhawk- de ne faire qu'un avec la terre, celle-ci devenant notre propre corps, de respecter l'air qui est notre propre souffle, le feu qui est notre énergie, et l'eau qui fait partie de nos fluides a l'intérieur de nous. De décomposer les éléments pour comprendre notre appartenance, de devenir la molécule, puis la séve d'un arbre, le bourgeon, sa feuille, faire partie de tous les fluides de la terre.

Libre, provocateur, différent, VINCENT RUFFIN offrira par une palette fouillée, une atmosphère particulière pour un univers appartenant aux domaines des songes.

Série Douceurs des fleurs, SUZANNE HUSKY, 2018.
Céramique, dimensions variables.

USA War Rugs, SUZANNE HUSKY, 2019.
Tapis en laine vierge, 152 x 204 cm.

Plantcestors, SUZANNE HUSKY, 2019.
Céramique, dimensions variables.

> 2019-20
LUCILLE PIKETTY
Exposition du 02 septembre au 18 octobre 2019
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 17 octobre à 18h.

Dans la série Les constances de 2016-2019 de LUCILLE PIKETTY, des personnages féminins apparaissent et disparaissent, se démultiplient ailleurs dans des chorégraphies énigmatiques.

Tandis que le spectateur ignore tout de ce qui se trame, il est mis en présence d'une action suspendue, en attente de devenir.

L'artiste affirme une quête personnelle voire autobiographique dans ses gravures de 2 mêtres de hauteur. Elle y conjugue l'ordinaire et le banal avec une dimension tant étrange, merveilleuse qu'hallucinatoire.

Puisant dans ses propres souvenirs, ceux issus de longues promenades au sein de la forêt de Saint-Germain-en-Laye, et s'inspirant de l'histoire de l'art, l'artiste met en scène sa soeur.
Le titre Les constances, renvoie à l'idée de constance, d'un motif répété obstinément et évoque également le prénom du modèle.

La figure féminine, omniprésente, revêt un caractère hiératique, principale protagoniste, chimère d'une scène dont le spectateur n'a pas les codes.
Ces gravures s'incarnent telles des confidences dites au creux de l'oreille et nous invitent à contempler une chorégraphie du temps qui s'écoule.

Alors même qu'il n y a pas d'effacement possible en gravure, LUCILLE PIKETTY défie la technique elle-même jusqu'à l'épuisement de la taille de la pointe sèche, et requestionne ce savoir-faire par des transparences, des jeux de nuances entre les noirs et les gris, et par des techniques d'impression inédites sur papier japonais.

Oscillant entre contrôle et hasard, elle représente et matérialise des strates temporelles, celles de l'oubli et de la mémoire.

Sans neutralité, ses paysages basculent de la ville à la forêt, entre nature et histoire, entre végétal et béton.

S'il s'agit de faire image avant tout, la gravure démontre sa spécificité, celle d'un dessin dans la matière à l'aspect velouté et mousseux grâce à cette technique de la pointe sèche.

Entre ombres et lumières, désir et répulsion, la forêt, décor privilégié des contes, incarne le lieu de la métamorphose et la fascine en tant que motif ambivalent et troublant.

Cette exploration subjective de quelques pérégrinations à la pointe sèche ou aux pastels, est loin d'être une simple « toile de fond » pour l'artiste.

La Stimmung de ses paysages, oniriques et fantasmagoriques, est faite de multiples récits rehaussés par la présence graphique d'arbres dénudés, noirs et sombres.

À travers cet univers tant cinématographique que littéraire de la forêt, LUCILLE PIKETYmet en déroute notre perception afin de nous conduire au-delà de la gravure

Undefined Territory I, série Les Constances, LUCILE PIKETTY, 2018.
Xylographie, diptyque, 200 x 150 cm.

Sans titre, série Les Constances, LUCILE PIKETTY, 2019.
Pastel sur papier, 71 x 95 cm.

> 2018-19
EMILIE BAZUS
Exposition du 06 avril au 27 juin 2019.
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 26 juin à 18h.

Ce qui semble unir les différents travaux d'EMILIE BAZUS est autant basé sur la recherche à mettre en danger sa pratique picturale en tant qu'artiste, que de portraitiser une humanité anonyme.

Après des années d’études dans l'atelier de Jean-Michel Alberola à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris, le ressenti d'un vécu inédit lors de voyages entrepris à la même époque (Inde, Népal, Afrique) oriente son travail vers une approche picturale, formant son regard et sa sensibilité à la lumière, la couleur et la matière.

Peinture figurative tout d'abord, pour une composition quasiment abstraite sur des gros plans de morceaux de corps avec étoffes de vêtements traditionnels, toutes origines confondues, afin de mettre en lumière ce qui les rassemblent par cette saturation des motifs ornementaux. Sous forme de diptyque, ces fragments de personnages sont mis en relation à des natures mortes d'accumulations agrandies d’objets de consommation courante qui deviennent à leur tour des éléments ornementaux, des motifs.

S'en suit une recherche plastique en parallèle de l’huile, acrylique, gouache et monotype, sur une série de paysages pour une image toujours très immersive par des techniques mixtes en noir et blanc, l'oeuvre devenant une sorte de «all-over» avec différents plans afin de faire naître une profondeur nouvelle dans le travail de l'artiste.
La dernière série achevée en 2018, Anonyme, s'éloigne des couleurs sourdes et matières mates chères à l'artiste jusqu'à alors. Crée autour de la problématique de l’accueil des migrants en France, elle est né à partir d’une révolte politique liée aux habitats précaires, visibles aux portes de Paris ou au bois de Vincennes, ainsi que dans les campements de Calais ou de Grande-Synthe.

EMILIE BAZUS cite les propos de Joy Sorman décrivant ces cabanes, où un soir d’hiver l'auteure découvre ces campements sous une autre lumière, celle des feux de bois qui les éclairent et qui dégage une humanité : "Éclairé par les flammes, l’oeil y voit quelque chose de l’ingéniosité humaine qui empiète sur la détresse. "

C’est un peu ce sentiment qui prévaut des œuvres d'EMILIE BAZUS, lors de la vision de ces abris de fortune qui n’en finissent pas de prolonger le calvaire de ceux auxquels ont refuse le respect dû aux humains.

Par des pigments fluo que l'artiste utilisent pour préparer ses fonds, ces couleurs se sont imposées pour la guider à représenter ces lumières surgissant des cabanes mais aussi les lumières d’un ciel au soleil couchant, ou se reflétant dans les flaques d’eau.

" A travers la lumière emmenant de mes cabanes, c’est l’humanité que je cherche à traduire ", ajoute-t-elle.

Dans cette jungle, Emilie constate que la seule constellation visible est celle de la myriade des braseros entretenus par les candidats à cet impossible eldorado dans cette survie à créer des lieux de vie, avec trois bouts de ficelles, couvertures et bâches, pour créer un lieu habitable malgré des moyens très rudimentaires.

On y voit là une précarité d'une construction certes, mais aussi une ingéniosité et créativité de l'humanité.

Anonyme X, 2018.
Huile sur toile, 130x162 cm.

Anonyme I, EMILIE BAZUS, 2018.
Huile sur toile, 27x35 cm.

> 2018-19
ICINORI
Exposition du 11 mars au 19 avril 2019
Finissage en présence des artistes le jeudi 18 avril à 18h

Cherchant à éprouver la matérialité de leurs images, expérimenter l’union triangulaire entre le dessin, le papier et la couleur pour tenter d’en faire une matière sensible, Raphael Urwiller et Mayumi Otero fondent lors de leur enseignement aux Arts Décoratifs de Strasbourg, ICINORI.

Passionnés par l’image imprimée, l’estampe et le dessin contemporain, la sérigraphie s’est vite imposée comme un médium d’apprentissage incontournable.

ICINORI est devenu alors complémentaire à leurs travaux de commandes en tant qu'illustrateurs, avec une aire de liberté totale, un espace de recherche indépendant pour inventer de nouvelles solutions aux travaux, pour réinvestir ces trouvailles dans des projets basés sur des dialogues enrichissants avec le commanditaire.

Ils aiment concilier des antagonismes très référencés, étendre au maximum leurs aires d’inspiration hors du champs de l’illustration contemporaine : invoquer le constructivisme monolithique russe et tenter de le faire dialoguer avec la gravure baroque du 19e, ou jeter la sculpture pop 70’s contre l’estampe japonaise…

La gymnastique graphique semble parfois fastidieuse mais reste excitante pour les dessinateurs. Pour preuve, s'essayer à la construction de popups, qui du reste trottait dans la tête de Raphael depuis très longtemps, suite à la découverte de ceux de Kubasta dans une librairie.

La simplicité et l’ingéniosité mise en oeuvre offrait un contraste assez intéressant fâce à cette puissance de livres, reliés de façon très approximatives, imprimés sur un gros carton brunâtre.

Il y avait là pour le couple une possibilité de résonance entre la puissance brute de ces objets et la densité de la sérigraphie, celle-ci associée à leurs univers personnels.

Construction, Mauvais tours par exemple, Et Puis ont permis de leur laisser une liberté de création totale, tant dans le dessin qu’au niveau de l’histoire et redécouvrir le médium livre tout seul, le réapprendre, le reconstruire.

Il en résulte des contes un peu étranges, des objets qui font sens à 50 exemplaires, résultats d'une envie égoïste : plaisir du fait main et rapport direct avec l’acheteur.

maison d'éditions expérimentales

Promenade au musée, Mayumi Otero, 2011.
16 illustrations sérigraphiées, éditions Rmn-Grand palais, 15x22 cm.

Et Puis, ICINORI, 2018.
12 illustrations, éditions Albin Michel, 28,5 x30 cm.

> 2018-19
THOMAS SAUVIN
Exposition du 07 janvier au 22 février 2019
Finissage en présence de l'artiste le jeudi 21 février à 18h

Depuis 2009, le collectionneur et conservateur français THOMAS SAUVIN installé en Chine 6 ans auparavant se lance dans une aventure insolite : acheter au kilo des sacs entiers de milliers de rouleaux de films négatif poussiéreux et les sauver de la destruction dans une entreprise de recyclage de nitrate d’argent , celle-ci située en bordure de la capitale.

Le collectionneur dispose alors de plus de cinq cent mille clichés anonymes couvrant l’histoire de la photographie analogique populaire en Chine

Cette sorte de « mine d’argent » a donné son nom à l'un des projets d’archives les plus importants en Chine: Beijing Silvermine.

Ces photographies de famille rescapées, puis sélectionnées, numérisées et classées, offrent aujourd'hui une représentation unique et authentique d'une grande diversité de chinois dans leur vie quotidienne, immortalisant des moments heureux, et documentant une période allant de la fin de la révolution culturelle à l’avènement du numérique, la Chine des années 1985 à 2005.

Photos intactes ou abîmées, images nettes ou parcourues de tâches, cadrages approximatifs ou remarquablement composés, l’œil affuté de THOMAS SAUVIN étudie, analyse et détourne l'incongru et le trivial.

Nous ne connaissons pas ces personnes, nous reconnaissons peut-être quelques endroits, mais le flou fait place à l’imagination et nous nous surprenons à inventer une narration.

Ces photographies vont à l’encontre de toute catégorisation. Ni artistiques, ni documentaires, originellement privées mais devenue publiques, représentant un quotidien devenu historique, les images bluffent par leurs lectures et interprétations multiples.

Alors que l'archive photographique est une espèce rare dans l’Empire du Milieu, le siècle turbulent qu’a été le 20eme siècle aura suffit pour détruire la quasi totalité des archives tant privées que publiques

Beijing Silvermine est un labeur individuel ayant des répercussions sur notre mémoire collective et sur la connaissance d’un passé proche sur le point d’être oublié. Le collectionneur et artiste en le sauvant, donne la possibilité non seulement de le transmettre mais aussi de le réinventer, afin de le rendre plus vivant que jamais.

A partir de cette série, THOMAS SAUVIN travaille en collaboration avec des artistes, graphistes, sociologues qui viennent à ses côtés étudier et détourner cette masse d'images pour leur apporter un nouvel éclairage.
Recycling and memory de l'artiste Lei Lei.

Série Suns And Moons, photographie anonyme, début 1980.
Beijing Silvermine, THOMAS SAUVIN, 2009-2019.
Tirage jet d'encre contrecollé sur Dibond, 80 x 60 cm.

Femmes & Frigos, photographie anonyme, années 1980.
Beijing Silvermine, THOMAS SAUVIN, 2009-2019.
Tirage jet d'encre, 40 x 52 cm.

	> 2018-19 MICHEL TEMIM Exposition du 05 novembre au 21 décembre 2018 Finissage en présence de l'artiste le jeudi 20 octobre à 18h		Une fois n'est pas coutune, voici les travaux d'un pur autodidacte, Plus qu’un peintre de scènes, MICHEL TEMIM, né en 1957, est un peintre de l’instant. Saisir le moment que tout le monde voit sans y prêter attention, lui permet d’établir ainsi le postulat de départ. Toutefois, ce n’est pas tant retranscrire le quotidien qui intéresse l’artiste, mais plutôt saisir le parallèle qui existe entre gens modestes et puissants. Démontrer la drôle complexité de l’être humain. L'artiste poursuivant une pratique assidue du dessin et de la peinture à l'huile dès son jeune âge, il évoquera aujourd'hui un manque volontaire de préparation sur papier pour une ébauche rapide sur la toile, tout en présentant une maîtrise parfaite de glacis par de multiples couches de couleurs afin de créer une atmosphère propre à son écriture. La peinture figurative de MICHEL TEMIM est résolument tournée vers l’universalité de l’existence humaine au travers d'instantanés de vie d’anonymes auxquels tout un chacun peut s’identifier. Fin observateur du monde qui l’entoure, l’artiste s’inspire de son histoire personnelle, et se nourrit des images de son enfance pour retranscrire sur toile des moments de vie de ses contemporains. De courtes histoires ou des légendes urbaines fortement inscrites dans le réel se transcrivent par une lecture approfondie par le peintre qui cherchera à témoigner du sens intemporel de l’existence. L’humain demeure au centre de son travail. Ses personnages souvent solitaires, remplissent la toile. Peints avec bienveillance, ils évoluent dans un décor simple représenté sans artifice ni fioriture qui situe l’action avec précision. Réalisées dans des couleurs vives, ses peintures confinent parfois à la caricature, usant d'une palette nous rappelant l'audace et la nouveauté des recherches chromatiques des fauvistes, avec des larges aplats aux couleurs pures, mais ne souffre d’aucune agressivité, pour ne pas s’embarrasser d’artifice spectaculaire et séduisant. Bien au contraire, ses sujets sont traités sans jujgement, même s’ils expriment la gravité et la difficile place de l’homme dans la société. Plutôt que de tenter une reconstitution exacte, l’artiste offre l’espace d’une vision singulière, avec un grand attachement à représenter de manière quasi analytique l’atmosphère d’un film muet en couleur où le temps se serait interrompu dans une rêverie, amorcer un scénario que le spectateur aura le loisir de faire évoluer à sa guise. Son objectif : "rechercher le côté insolite d'une situation urbaine courante pour la replacer sur la toile, et lui rendre toute la force narrative en utilisant les techniques les plus traditionnelles du dessin et de la peinture". L’expression d’une figuration pure et volontairement décalée de trop de précisions graphiques permet à l'artiste une atmosphère propre à son écriture.
No U Turn, MICHEL TEMIM, 2015. Huile sur toile, 81 x 65 cm. Doute, MICHEL TEMIM, 2015. Huile sur toile, 130 x 89 cm.

	> 2018-19 THOMAS WAROQUIER Exposition du 03 septembre au 19 octobre 2018 Finissage en présence de l'artiste le jeudi 18 octobre à 18h		Né en 1996, THOMAS WAROQUIER vit et travaille à Paris. Prix spécial du public du Prix Maif pour la Sculpture 2017 et de la deuxième place nationale du Prix Avenir métier d'art 2018, l'artiste est diplômé en sculpture de l'atelier métal de l'ENSAAMA Olivier de Serres. Il y apprend la technique artisanale de la dinanderie, la mise en forme des métaux en feuilles, appliquée à la sculpture. Il assiste plusieurs artistes français et internationaux comme Mylinh Nguyen (Prix Bettencourt pour l'intelligence de la main), et surtout Al Farrow à l'exposition permanente du De Young Museum de San Francisco, ce dernier représentant en volume des reliquaires chrétiennes, des mosquées islamiques et des menorah juives, dont la matière première n’est autre que des munitions, des grenades à main, des fusils et pistolets désossés, dans le but de représenter les violences inhérentes à l’histoire de ces religions. Depuis, Thomas travaille sur le thème des "gueules", série de sculptures et peintures s’articulant autour de l’idée de perte ou d’obtention d’identité par altération du visage : l’un subi, l’autre voulu, l’un traumatique, l’autre initiatique. THOMAS WAROQUIER s'est replongé 100 ans après la boucherie de la Grande Guerre dans l’histoire des gueules cassées, soldats et hommes devenu monstres par leurs blessures qui les ontdéfigurés. Mais pour nous rappeler aussi combien d'hommes la guerre marque encore aujourd'hui dans leur chair, combien est grande la bétise des ingénieurs actuels fabricant des armes encore plus bessantes qu'il y a un siècle. Comment rendre compte de la violence, comment essayer de souligner l’humanité ensevelie sous les blessures ? Ses recherches se sont portées ensuite sur les modifications corporelles à but identitaire et communautaire d’Afrique de l’Est. Les hommes modèlent, sculptent leur visage pour appartenir aux codes de leurs sociétés. Avec Mursi, Création réalisée dans le cadre d’un Diplôme des Métiers d’Art (DMA) à l’École nationale supérieure des arts et des Métiers d’Art et où il recevra le Prix Avenir Métiers d’Art INMA, THOMAS WAROQUIER revisite les traditions du peuple éthiopien éponyme par le truchement du métal. Modelage, ciselure et dinaderie façonnent un masque orné de scarifications, entre tension et sensibilté. Comment sublimer la blessure et ainsi venir parer le corps de sacré ? À travers ces projets, l'artiste questionne la notion de recevabilité : comment les codes socio-culturels déterminent ce qui est acceptable et ce qui ne l’est pas ? L’expression d’une figuration pure et volontairement décalée de trop de précisions graphiques permet à l'artiste une atmosphère propre à son écriture.
Souvenons-nous que la guerre défigure, Hommage aux gueles cassées, série Les Gueules, THOMAS WAROQUIER, 2018, Sculpture, étude en plâtre, 70x40x40 cm Mursi, série Les Gueules, THOMAS WAROQUIER, 2017, Sculpture en métal repoussé, 60x30x40 cm.

	> 2017-18 SYLVAIN GRANJEON Exposition du 30 avril au 08 juin 2018 Finissage en présence de l'artiste le mercredi 06 juin à 18h		Autrefois comédien et circassien, SYLVAIN GRANJEON vient du monde du spectacle où la photo est toujours présente, dans les coulisses ou sur les routes. C’est après avoir tourné pendant vingt ans avec sa compagnie de spectacle de rue qu’il change sa façon de faire des images et se dirige vers la photographie d’auteur. Le cirque, le burlesque et la dérision ne sont cependant jamais loin de son univers photographique. Dans les séries Zidiomatiks et Zuper, l'artiste use de la photographie comme forme d'artisanat avec des techniques argentiques tel le photo-montage, collage, découpage, colorisation à l'encre, pour se mettre en scène et évoquer le jeu. À l’aide de fil nylon et collages, SYLVAIN GRANJEON réalise alors une deuxième image en moyen format et effectue un nouveau tirage pour le coloriser à la main, qui lui attribue alors un aspect unique et précieux. Alors que ces deux dernières séries se rejoindront sur le jeu clownesque et naïf, pour l'un par les expressions idiomatiques de la langue française, pour l'autre par la réprésentation d'un super héros sans pouvoir mais persuadé qu’il en possède, SYLVAIN GRANJEON évoque pourtant une certaine profondeur dans ses travaux. En témoigne la série Je suis né Arc-en-ciel, rejoignant Mister Zuper certes sur les thématiques de notre rapport complexe au temps, à la mémoire et à l’enfance, mais aussi sur l'espoir d'être un autre, d‘échapper à sa condition, de sortir des sentiers tracés. C'est en 2014 que l'artiste trouve, sur le marché Biron à Paris, une malle contenant les affaires d’un monstre de foire, l’Homme Arc-en-ciel : " Cet homme, narre l'artiste, a été exhibé dès son enfance dans de nombreuses baraques foraines. Le public «voyeur» fréquentant ces baraques venait assouvir un instinct primaire, se rassurant de sa normalité au contact du monstrueux." Et parce que SYLVAIN GRANJEON juge l’humour peu présent dans la photographie contemporaine, il crée une véracité à cette fiction en affirmant que le "monstre" dont il estime ses dates autour de 1890-1965, a eu une femme, "monstre" elle aussi, la femme aux cheveux qui brulent perpétuellement, et que de cette union est née une fille, Rosalie. Le personnage est aussi artiste, et bien entendu ses "présumés" carnets nous montrent l’autodérision qu’avait l’Homme Arc-en-ciel sur sa condition, avec une richesse esthétique et style graphique évoquant les surréalistes de l’époque. "Cette distance, précise SYLVAIN GRANJEON apporte un éclairage différent sur la vie des monstres, souvent appréhendée, dans la littérature et le cinéma, par le prisme de la souffrance." Enfin, dans la veine du jeu et de la transformation, l'artiste et photographe créé la série Douce amère, où des masques sont collés sur le visage de sa fille, lui prêtant une gravité qui ne sied pas aux enfants de son âge. "J’espère avoir aborder avec ce travail la quête éperdue de l’adulte vers l’image mythique de son enfance, à l’origine de toutes nos émotions."
Série Je suis né Arc-en-ciel, Sylvain Granjon, 2017. Photographie anonyme colorisée à l'encre, 8.3 x 13 cm. Série Mister Zuper, Sylvain Granjon, 2015. Tirage argentique colorisée à l'encre, 20 x 20 cm. * *

	> 2017-18 B-A-BA DESIGN V. de Seze / M. Venot / Campana Bro. / T. Lemut / B. Lacourt / I. Vautrin Exposition du 05 mars au 13 avril 2018 Finissage en présence des designers le mercredi 11 avril à 18h.		Avant tout métallier d'art, VIANNEY DE SEZE gère autant une manufacture de meubles d'exception, qu'un réseau d'artisans qu'il représente : boiseux, métallurgistes, pierreux, céramistes, tapissiers, doreurs, patineurs, finisseurs. En tant que designer, il utilisera des matériaux nobles, pour des objets à usage domestique, en tachant de rester au plus proche de leur essence première, comme préférer les patines aux vernis. La Baywatch Chair, extrait de la série déclinée à partir de la chaise Polyprop de Robin Day, présente une structure en fer à béton à l'esthétique Effeil faisant office de piétement et d'escalier, afin de redécouvrir l'assise gainée de cuir peint, ici encore à l'esthétique triangulaire. Dans l'esprit qu'invoque VIANNEY DE SEZE concernant l'équité entre artisans, designers et industriels, cinq pièces de quelques uns de ses contemporains dont le combat est proche sont présentés : - La table et chaise en hêtre européen Elephant de MARC VENOT qui réussit à combiner les paradigmes de la Physique (sa première formation), à l'inverse de celui de Charles et Ray Eames qui jamais n'atteignèrent en 1945 une production en série en raison des courbes complexes de leur version à l'époque, mais qui ici sont figurées par des lignes simples, des formes épurées, des finitions impeccables incarnant la synthèse parfaite entre forme et fonction. - Le fauteuil Corallo, de FERNANDO et HUMBERTO CAMPANA, résultat d'un tressage irrégulier de métal rouge corail, courbés à la main et qui évoque volontiers pour les frères designers, le motif du coquillage, élément décoratif fréquent à la fois dans l’art baroque mais aussi dans l’artisanat traditionnel des Indiens, pesonnifiant ainsi leur principale source d’inspiration, la culture du Brésil, avec la diversité de ses influences, sa mixité sociale, l’économie de moyens et son ’artisanat. - Les chaises Chadro mini de BERTRAND LACOURT dont le goût pour le minimalisme est un principe qui s’applique au procédé de fabrication, avec des techniques primitives de taille directe, en remplaçant simplement les haches par des tronçonneuses, pour ébaucher des formes in situ dans une matière brute, à même les grumes, pour en ressortir un monoxyle de frêne. - Trois céramiques de corpulence identique, série Bec de IONNA VAUTRIN, où seul le dessin du bec et du plumage définit leur espèce mais aussi leur caractère, -une mouette sage et docile, un toucan fier et arrogant, un canard naïf et malicieux-, et incarnant ainsi par par ces formes douces, rondes et libres, un véritable défi pour l’industrie habituée à une esthétique ambiante angulaire. - Et enfin, la liseuse Pole-lamp de THOMAS LEMUT, tour à tour sculpteur, ouvrier, producteur de films, directeur artistique, et qui considère a contrario que la fonctionnalité est au service de l’esthétique. Liseuse muée ici par un système mécanique constitué d’un corps en tube inox sur lequel viennent s’ajuster 6 carrés et 2 méplats en métal massif. Tous les métaux utilisés ont reçu un traitement et polissage particulier. Aucune soudure, tout est assemblé par vis et entretoise interne, dont les cinq lamelles de 235 cm de hauteur par 5 cm de largeur en frêne, hêtre, chêne, sycomore et acacias chacune. À hauteur de 115 cm, un clapet, réglable à 135 degrés environ, s’ouvre sur deux leds qui s’allument automatiquement. En refermant ce clapet, un interrupteur dissimulé éteint la lumière.
Baywatch Chair, Vianney de Seze, 2012. Chaise Polyprop de Robin Day, assise gainée de cuir peint, piètement en fer a béton. Dimensions : H220 x L100 x P150. Liseuse Pole Lamp, Thomas Lemut. Hêtre, frêne, chêne, sycomore, acacias – inox et laiton Lampe H 210 x l 5 x P 5 cm – Sol au plafond H 250 / 320 cm.

> 2017-18
FLORIAN MERMIN
PRIX KRISTAL - SALON DE MONROUGE 2017
Exposition du 08 janvier au 16 février 2018
Finissage en présence de l'artiste le 14 février à 18h

Texte de LORIANNE FIRMM :

Aborder la sculpture comme un échantillonnage de formes tridimensionnelles aux allures d'objets à la limite de l'utilitaire semble constituer le véritable fil de l'exposition.

A travers une sélection d'œuvres réalisées entre 2015 et 2017, FLORIAN MERMIN fait pour la première fois état/étalage d'une proposition radicale uniquement composée de céramiques de tailles moyennes noires et blanches. Droites et courbes se côtoient dans la rencontre des céramiques avec leur socles respectifs de bois ou de métal. A la fois ligne et chemin, la succession de pièces retracent de manière démonstrative l'itinéraire emprunté par l'artiste au cours de son processus créatif de ces deux dernières années.

Tout à la fois anthropomorphe, animale et végétale, l'exposition propose un face à face direct entre les pièces et le visiteur dans une reproduction d'un espace "naturel", composante essentielle et récurrente dans les installations de l'artiste depuis quelques années. Fond bleu, terre et autres brindilles sont les éléments dressant la toile de fond permettant aux sculptures de prendre place dans un et même espace suggestif mais non identifié.

A la fois scène d'extérieure à la tombée de la nuit et intérieur domestique au décor peu confortable, l'exposition se présente comme une galerie de portraits ou chaque sculpture est le fruit d'une hybridation à l'image du rideau de fond, tissé de fils de coloris différents.

Vase mains, vase chardon, pot singerie, cactus livide, ces objets étranges et familièrement nommés semblent contenir dans leur ADN le gène de la dualité.
En effet, toutes ces céramiques inspirées par des objets qui entourent le quotidien de l'artiste ont été modifié considérablement annulant presque leur fonctions et leur utilités.

Les vases, les boites, les pots et même les boites à mouchoirs se retrouvent devant nous dans des aspects rebutants et aux textures rugueuses, transformés comme par magie ou victimes de mauvais sorts. Ni pots de fleurs ni cache pots, les sculptures de FLORIAN MERMIN ne sont pas dotées de trous permettant l'évacuation du surplus d'eau (propre au pot de fleurs) pour la plante ou la fleur qui en habite l'espace intérieur.

De plus il ne s'agit pas non plus de récipients décoratifs destinés à accueillir une plante (et son pot) et donc à présenter un objet plus décoratif que le pot lui même.

En revanche certaines des sculptures sont manifestement plus limitrophes avec l'idée de faire corps avec l'objet du vase. Si on se réfère aux différentes appellations d' éléments qui compose cet objet, il est facile de constater sa relation au corps depuis l’Antiquité : pied, épaule, cou, bouche, lèvre ... autant de mots qui font la part belle à la fragmentation de l'anatomie humaine et qui font sens au regard des céramiques parfois mises en relations avec des végétaux.

Dans les installations de FLORIAN MERMIN, les éléments vivants fleurs et plantes ne survivent guère bien longtemps au fil des expositions. Les fleurs fanent, et les plantes s'assèchent peu à peu. Si la nature meurt dans les installations de l'artiste c' est peut être pour mieux nous rappeler que les sculptures aussi sont fragiles.

De plus, pour devenir céramique la terre doit elle aussi séchée. Elle est ensuite cuite une première fois puis une deuxième pour fixer en état l'émail coulant cristallisé.

A l'image de cette technique, l'artiste semble explorer les notions de la transformation physique des choses, de changement réel de formes et d'états. L’expression d’une figuration pure et volontairement décalée de trop de précisions graphiques permet à l'artiste une atmosphère propre à son écriture.

Prendre et garder, 2017.
Céramique peint et vernis, 30x30x30 cm

FLORIAN MERMIN

Sans titre (veuve noire), 2017.
Céramique émaillée et métal, 70x60x60 cm.

Belle soupirante, 2015.
Céramique émaillée, 50x40x40 cm.

> 2017-18
ADEL ABDESSEMED
Exposition du 06 novembre au 22 décembre 2017
Finissage le 20 décembre 2017 à 18h

Sur une piste de l’aérodrome de Valence, le corps renversé d’ADEL ABDESSEMED est suspendu au-dessus de deux grandes plaques de bois, les pieds tenus par un filin depuis la plate-forme d’un hélicoptère.

L’appareil tente de maintenir sa verticalité à quelques mètres du sol et une problématique immobilité.

L’artiste, lui, tente dans ce renversement physique de dessiner le tableau peint par Géricault en 1818-1819, Le Radeau de la Méduse.
Dessiner en résistance aux déplacements soudains de l’appareil, dessiner dans une mise en danger, dessiner contre la peur.

Les lignes tracées à la pierre noire en constante menace de déséquilibre dans l'acte de ADEL ABDESSEMED enregistré en 2007, Helikoptère, livre un dessin arraché par un artiste en état de risque.

Le corps humain et l'art, tels de fragiles résistants aux bourrasques meurtrières du monde contemporains, ésquissent des arabesques fragmentaires et aléatoires, en des décentrements indomptables.

Arabesques toujours, avec la figure dominante du cercle dans la vidéo God is Design, qui n’est pas sans évoquer l’éternité.

Vidéo hypnotique au son volontairement très puissant, l’artiste met bout à bout trois mille cinquante dessins, noir sur blanc, de motifs ornementaux reprenant les symboles des trois grandes religions monothéistes (le judaisme, le christianisme et l’islam) et les symboles reprenant le schéma de la cellule humaine qui s’y entrelacent au rythme d’une musique aussi enivrante, à la limite de l’hallucination sonore.

Les motifs, à peine a-t-on le temps de les détailler qu’ils s’effacent et sont remplacés par d’autres.

L'animation montre de nouvelles images pieuses, celles du capitalisme, le Coca-Cola, le dollar ou le robot à la conquête de l’espace.

Si les valeurs occidentales paraissent triomphantes, elles n’en sont pas moins friables. Cette constatation est d’autant plus frappante que l’infini entre en jeu et place ces symboles sur une autre échelle.

L’infini peut donc être appréhendé comme répétition exponentielle.

La vidéo est réalisée en 2005, quelques années après avoir quitté New York suite à l’ambiance "invivable" qu’avait provoqué le Nine Eleven (11 septembre 2001).

L’artiste s’est senti indésirable dans cette ville à cause des amalgames que font alors un grand nombre d’américains en considérant tous les arabes, les musulmans et les personnes issues du Moyen Orient comme des terroristes potentiel.

En regard des arabesques fragmentées, une reproduction de l'eouvre Telle mère tel fils réalisée en 2008 présente trois cockpits et trois queues de fuselage d’avion tressés par de longs et souples tuyaux de toile.

Trois petits avions californiens usés rappelant des jouets, reproduisent la tresse de sa mère.

Devenue créature énorme, 27m de long, cette œuvre souligne l'interdépendance de la mère et de l'enfant.

L'oeuvre prend source dans l'histoire de l'artiste, ainsi que dans une société actuelle, l'imbrication des mondes née de la globalisation, l'artiste précisant que " la tresse de carcasses d'avions est une tresse de tension ".

Sculpture du désastre avec des matériaux évidents et immédiats, l'oeuvre participe à la représentation du naufrage en une étrange violence, en une étrange douceur. Monde en transit de lui-même.

Il parle de la construction de cette pièce comme un recyclage en rendant explicitement hommage à un autre mode de productivité que l'artiste identifie à la figure de sa mère, à sa capacité créative à rassasier ses enfants quel que puisse être le niveau de vie du moment du groupe familial, et quels que puissent être les matériaux et les outils disponibles.

« Le recyclage des matières est ma relation avec les images », dit-il. Ce nœud d’avions, de véhicules de voyages d’un point de départ à un point de retour, signifie bien la perte d’origine que porte la globalisation.

Helikoptère, Adel Abdessemed, 2007.
Vidéo, 3 min. Pastel à l'huile noir sur panneaux bois, 91 x 716 x 1,3 cm.

ADEL ABDESSEMED

God is Design, Adel Abdessemed, 2005.
Vidéo, 4'08".

ADEL ABDESSEMED

Telle mère tel fils, Adel Abdessemed, 2008.
Avions, feutre, aluminium, 400 x 2700 x 500 cm.

> 2017-18
ALINE ZALKO
Exposition du 04 septembre au 20 octobre 2017
Finissage en présence de l'artiste le 07 octobre 2017 à 15h

Aline Zalko est une dessinatrice née à Paris. Elle commence à travailler comme illustratrice pour le New York Times et le New York Times Book Review. Depuis ses dessins ont été publiés dans la presse et édition françaises.

Son travail se compose aussi de dessins plus personnels exposés en 2014 à la Galerie Dérouillon, au Salon de Montrouge de 2013, au Drawing Now - le Salon du Dessin Contemporain, au Centre Culturel Suisse, et à la Galerie du Jour Agnès B.

ALINE ZALKO :
« J’ai commencé à dessiner la ville en arrivant à New York quelques mois avant le 11 septembre. J’étais fascinée par la reconstruction permanente de la ville sur elle-même, son avancement continu.

Je me suis mise à dessiner les sites en construction entourés de buildings, les gros trucks américains, les Caterpillars…

Au cours de cette période j’étais fortement inspirée par les photographies de Walker Evans, le travail de Saul Steinberg, le pop art et aussi les dessins que Fernand Léger a fait de la ville.

Aujourd’hui je dessine la ville un peu comme je fais un portrait. J’accentue les couleurs et je brouille les perspectives.

Au premier coup d’œil, tout paraît en place. Mais il suffit de laisser traîner son regard pour découvrir que tout est légèrement bancal, sur le fil du rasoir. C’est cet équilibre fragile qui m’intéresse.

Ce que j’aime dans le dessin, c’est son immédiateté et son absence de repentir.

J’aime également la capacité qu’il offre à varier les traités pour passer de la transparence à la saturation.
Il possède aussi un aspect enfantin que l’on peut détourner en faisant quelque chose d’inattendu, voire de dérangeant.

Enfin, il y a toutes ces choses inexplicables dans l’attirance qui nous lie à un médium : l’objet, son poids, le bois du crayon de couleur, le toucher .

L’avantage du mauvais goût sur le bon goût, c’est qu’il est souvent plus drôle.
Et j’aime bien instiller de l’humour et de la bizarrerie dans mes dessins. C’est pourquoi je collectionne les couvertures des romans de gare des années 60 à 80.

L’esthétique racoleuse, le choix des typos et des photos pourraient passer pour une faute de goût, mais tout cela m’inspire beaucoup, à la fois sur les couleurs, la symbolique et les situations, toujours très fortes.

De la même façon, les films de David Cronenberg, John Carpenter et Dario Argento explorent des territoires qui me parlent et qui me plaisent.

Enfant, mes parents m’emmenaient souvent au musée d’Orsay. Du coup, j’ai été très influencée par les impressionnistes, notamment Paul Gauguin. Puis, j’ai beaucoup admiré Pierre Bonnard, aussi bien pour ses thématiques que pour son emploi des couleurs et des perspectives.

Aujourd’hui, j’ai tendance à m’intéresser davantage à la peinture et au cinéma qu’au dessin. Pour en citer quelques- uns, je choisirais Gerhard Richter et David Hockney chez les contemporains, mais aussi certains primitifs rhénans ou flamands comme Hans Holbein, Lucas Cranach, Roger van der Weyden dont j’admire la belle étrangeté.

Longtemps, je n’ai pas dessiné de portraits. Je m’intéressais exclusivement aux tissus urbains, qu’il s’agisse des friches ou du cœur des villes.

Jusqu’au jour où je suis tombée sur une série de photos de mode où posait Dakota Fanning. À l’époque, c’était une très jeune actrice. Une enfant.

J’ai eu un coup de foudre pour ce visage blond et ses grands yeux cernés. À compter de ce jour, mon style a complètement évolué. Aujourd’hui, quand on me demande un portrait, j’essaie de rencontrer les gens si c’est possible. C’est toujours plus facile de dessiner un artiste, un écrivain, un acteur, une personnalité dont on connaît le parcours.

Quant au traité, il va dépendre de la liberté que le directeur artistique m’accorde ou de celle que je m’autorise. Le plus souvent, je privilégie les fonds blancs. Mais, j’aime aussi inventer tout un univers derrière les portraits comme je l’ai fait pour Xavier Dolan (magazine Trois Couleurs) ou Montaigne (Pèlerin).

Je créé alors un paysage fictif composé de saynètes entremêlées. Cela permet d’associer un portrait à des éléments très narratifset symboliques ».

Debbie, ALINE ZALKO, 2015.
Crayon de couleur et pastel sur papier, 21 x 29,7cm.

Zalko_Landscape
Forêt de Ravel, ALINE ZALKO, 2016.
Crayon de couleur et pastel sur papier, 21 x 29,7cm.

> 2016-17
MONTROUGE KRISTAL
Exposition du 29 mai au 7 juillet 2017
Finissage en présence de certains des artistes le vendredi 28 juin 2017 à 18h

CINQ OEUVRES SELECTIONNÉES PAR NOTRE JEUNE PUBLIC :

> Dans les allées du 62e Salon de Montrouge, on entend un grand enthousiasme pour la large tapisserie de SUZANNE HUSKY qui revisite l'harmonie pastorale de la Dame à la licorne à l'heure de Notre-Dame-des-Landes avec l'oeuvre La Noble Pastorale.

Le titre renvoie à une tapisserie médiévale qui met en évidence les vertus des artisans ruraux.
L'étude que propose l'artiste intègre des questions contemporaines en usant autant de l'esthtétique du mille-fleurs laissé à l'époque au libre arbitre du lissier, que de l'idée d'un détournement aux allures de prises de position politique.

La noblesse rurale est ici peinte comme l'activiste qui s'oppose à la construction "d'infrastructures inutiles géantes" pour certains, "projets écologiquement problématiques" pour l'artiste comme des centres commerciaux géants, de nouveaux aéroports, des barrages, etc.

Par télescopage entre une technique artisanale et un sujet ultracontemporain, le tapis de laine mural dénonce l’irrémédiable avancée de la civilisation moderne et la fragile résistance qu’on lui oppose.

"Où nous pourrions nous livrer aux fantasmes sur l'existence de licornes, nous devons maintenant nous battre", précise l'auteur qui tisse elle-même sa laine.

SUZANNE HUSKY est une artiste dont la pratique explore la relation entre les hommes et le non humain. Formée en art et en paysagisme, les enjeux du paysage sont matérialisés de diverses manières et matières. Ses pièces engagent des rencontres et des collaborations variées avec des historiens, habitants et artisans.

> DORIAN COHEN visite le paysage contemporain à travers une sorte de voyage dans l’urbain au sens large.

Plus qu’une poétique de la ville, l’artiste propose le chaos que la cité postmoderne organise, tord ou étend à travers les routes, édifices, ponts et arbres.
Le tout s’emmêle voire s’emboîte plus ou moins harmonieusement.

Jaillit on ne sait trop comment, le silence plutôt que le bruit.

Sans doute parce que ces images qui semblent conduire hors de la ville qu’en son ventre sont plutôt vides au sein d’une végétation qui demeure présente entre réalisme et fantasmagorie.

Dans l’ensemble, peintures et dessins grisés « imagent » les frontières de la ville : boulevard périphérique, bretelles d’autoroute avec embrouillaminis de ponts et de routes, arbres déjà de campagne deviennent des sortes de natures mortes nocturnes créés par un miniaturiste à la fois maniaque, précis et humoristique.

> Avec la série d'actions performatives, Mesurer les actes qu'entreprend MARIANNE MISPELAER depuis 2011, l'artiste tient à une constante :
sur un mur, tracer à vitesse constante, au pinceau et de haut en bas, une ligne d’une minute. répéter, côte à côte, minute après minute, d’autres lignes.

La répétition de cette action est ininterrompue durant plusieurs heures, jusqu’à épuisement : fatigue du corps, fermeture du lieu, réservoir d’encre vide, etc.

Le dessin s’adapte au contexte qui l’accueille, témoin de l’élan et de l’énergie de sa réalisation.

Le geste du dessinateur réagit sans cesse à des causes internes et externes, provocant d’autres causes, imposant imperfections et surprises qui s’accumulent dans le tracé, la mettant face à des conséquences qui orientent la continuité du dessin.

> A travers ses différents projets, JEANNE BERBINEAU AUBRY explore la nature et ses transformations, cherchant un juste milieu entre phénomènes naturels et artificiels. La nature et les végétaux sont une source d’inspiration constante pour la jeune artiste.

Dans l’œuvre Liqueurs réalisée en 2014, elle présente des spiritueux élaborés à partir de végétaux exclusivement prélevés dans les jardins de la Villa Arson.

Elle renouvelle d’ailleurs cette expérience de transformation en 2017 dans une seconde série éponyme avec des fleurs cueillies dans les jardins de la Villa Medicis au cours d’une résidence.
Figés à l’étape de macération, on distingue les feuilles, les fleurs, écorces et pierres distillant lentement leur parfum dans l’alcool à 95° qui à la manière du formol potentiellement comestible en conserve l’essence.

JEANNE BERBINAU AUBRY offre une nouvelle version olfactive de ces jardins dont les réminiscences alcoolisées émanent des contenants tel un souvenir altéré. Quintessence d’un lieu mis en flacon et dont l’effluve mature et se répand discrètement.

La Noble Pastorale, Suzanne Husky, 2016.
Tapisserie, 203x247 cm.

Dorian Cohen

Départ en vacances - 08, Dorian Cohen, 2016.
Huile sur toile, 150 x 200 cm.

Marianne Mispelaere

Mesurer les actes, Marianne Pispelaere, 2017.
Action performative n°10 , 347 min, 62ème Salon de Montrouge.
Encre de chine sur mur, pinceau petit gris, dimensions variables.

> 2016-17
FRED ATLAN
Exposition du 18 avril au 24 mai 2017
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 24 mai 2017 à 18h

Texte de FRED ATLAN :

" Le paysage est là, gravé en nous par des récits, des mythes, des images scientifiques,

Des tableaux et des films jusqu’aux cartes postales, je les revisite dans le huis clos de mon atelier.

Depuis vingt ans, mes travaux attestent de mon intrusion dans le champ photographique.

Être à l’origine de l’événement est un leitmotiv.

L’appareil devient un réceptacle dans lequel «j’opère».

L’appareil est figé face à une table et cette dernière devient un «champ opératoire».

Muni de matière glanée dans mon quotidien et sous l’égide d’un rituel, cette dernière surgit, fait événement.

Des matières non agrégables, instables et volatiles, des opérations éphémères dont seule la photographie peut témoigner.

Mon geste est domestique : jeter, mélanger, étaler, brouiller, hacher.

Mes images existent de la même manière qu’un plat est prêt à servir.

On n’en connaît pas toujours le processus de fabrication, et on ne reconnaît pas forcément les ingrédients.µ

Mes mains tirent les ficelles d’une fiction, des « photos de geste » qui font « signaux ».

De mon désir de ré-animer la matière nait des paysages, des allégories de paysage.

Absence de référent, vibrations des contours, inversion de la couleur, la fonction indicielle de la photographie est mise à mal.

Seul, le « ça a été » d’une gestuelle est décryptable.

Mes photographies sont un espace de jeux et de « je ».

Matières sublimées, paysages sublimes, l’impression de monumentalité et l’étrangeté qui s’en dégage contrastent avec la modestie et la simplicité du procédé utilisé.

S'abimer, série Cosmogonies, FRED ATLAN, 2016.
Impression contrecolée sur Dibond, 73x110 cm.

Fred Atlan

Monolithe émergeant, série Nuées, FRED ATLAN, 2015.
Impression contrecolée sur Dibond, montée sur caisson en bois, 56x38 cm.

> 2016-17
ANTOINE CARBONNE
Exposition du 20 février au 31 mars 2017
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 29 mars 2017 à 18h

ANTOINE CARBONNE, jeune peintre français de 30 ans, cherche à nous faire reconnaître des instants vécus.

Entre la fin du monde et le calme pour certains, entre des couleurs vives et la nostalgie pour d'autres.
Le présent, et pourtant le futur.
Le monde moderne en perpétuel mouvement au fond.

Le peintre s’est tout d’abord intéressé aux constructions du monde avec une première série executée dans le quartier de la Défense.
Comme pour relater les traces du passage de l’homme sur terre, dans un souci de documenter, et de laisser une empreinte concernant notre civilisation.

Les paysages urbains mettent alors en cause la notion de point de fuite : ANTOINE CARBONNE dit vouloir créer de la profondeur sans se sentir pour autant asservi aux règles de la perspective, "pour simplement permettre au regard de circuler ".

Un immense ciel parsemé de nuages apparaît alors à la cime d’immeubles gris et plats qui ont presque disparu. On découvre aussi des endroits urbains inhabités, nostalgiques et doux, un peu inquiétants.

Une atmosphère pré-apocalyptique se dégage de l'oeuvre d'ANTOINE CARBONNE, sans que l'artiste cherche à être alarmiste.

C’est après un voyage en Mongolie, où, surpris par l’abondance de 4x4 et bornes wifi dans un pays pourtant réputé sauvage, qu’est née l’obsession de l'artiste pour les reliquats d’une société de consommation qu’il sait périssable.

S’inspirant toujours de photos Facebook, de collages et de prises de notes, à l’image de Jonas Wood qui incarne « un Pop Art vibrant et un art moderne cool », les œuvres d’ANTOINE CARBONNE avec une palette fauve-expressionniste, compose des espaces picturaux inconstants en perpétuelle évolution, entre natures mortes contemporaines et Nouveau Réalisme.

Puis le peintre délaisse le « figé » et les objets témoins de nos sociétés oubliées. Des personnages apparaissent, comme livrés à une attente presque vaine.

Dans l'Atelier Rouge (référence délibérée à Matisse), puis Giant, puis Red studio (GiantII), l’artiste se représente le monde à travers son espace intime de travail, tourelle d’observation.
Les fenêtres et la mappemonde sont une ode au paysage, celui-ci alors tantôt mystérieux tantôt familier, comme reconstruit pour devenir subjectif, même si créé vraisembleblement à partir de souvenirs et d’imaginaire pour une nouvelle réalité.

" Aujourd’ hui, il semble que le monde entier ait été filmé et documenté ", précise ANTOINE CARBONNE.
" Que reste-t’il comme motivation à toujours l’explorer à travers la peinture?
La réponse est certainement que cet univers est en mouvement perpétuel.
On n’entre jamais dans le même fleuve, disait Héraclite. Ce qui a été figé aujourd’hui sera différent demain ou dans un an.
J’ai retenu comme idée centrale l’enregistrement du réel qui peut parfois s’apparenter à une pulsion.
Il s’agit d’une démarche longue qui vise à insuffler à chaque peinture l’idée d’intemporalité.
Après la découverte d’un espace, l’image que l’on en garde est composée d’un magmas d’anecdotes et d’idées qui ne se suivent pas forcément, mais forment un souvenir composite."

Voici donc une réflexion poétique sur les formes de la mémoire. L’artiste commence par s’emparer d’un lieu ou d’une situation en les documentant au moyen de dessins, de photographies ou de notes manuscrites.

Briser une forme d’innocence, méconnaissance entre l’individu et le territoire nouveau, établir une relation avec celui-ci.

Donner naissance à un tableau composite, généralement de grand format, dans lequel "le réel a été tamisé puis modifié, dans un but final d’appropriation".

Le spectateur, comme prisonnier d’un rêve absurde, est alors plongé dans une atmosphère intemporelle.

Red studio (GiantII), ANTOINE CARBONNE, 2016.
Huile sur toile, 146x114 cm.

Sunset, ANTOINE CARBONNE, 2014.
Huile sur toile, 195x130 cm.

> 2016-17
JULIEN FARGETTON
PRIX KRISTAL - SALON DE MONROUGE 2016
Exposition du 03 janvier au 03 février 2017
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 1er janvier 2017 à 18h

JULIEN FARGETTON pose un regard curieux sur le monde, en quête de l'origine des choses, quitte à en changer le destin.

Ainsi, lorsqu'il croise le chemin d'un conteneur à poubelles échoué sur une plage au large de Marseille, il entreprend de le ramener à pied, transformé en sac de randonnée, jusqu'à son port d'attache, le village italien de Cogoleto (Rifiuto, 2014, installation vidéo, photographies, aquarelles).

Au-delà de l'anecdote et de la trotte, l'artiste y expérimente selon ses mots
" l'étroite terminologie qui sépare l'inutile, l'utile et le futile."

Ce trajet prend aussi acte de mouvements plus secrets, ceux des objets, des rebuts, écume de la société de consommation.

Pour poursuivre, l'artiste projette de construire à Lisbonne une caravelle, reproduisant à une échelle moindre celles utilisées lors des premières explorations portugaises du XVe siècle, marquant les débuts de l'expansion moderne de l'Occident.

Porté par la pensée du Tout-Monde d'Édouard Glissant, ce bateau – dont As Naus (2015-2016, carton, colle) est une maquette préparatoire – sera fabriqué avec les déchets qui s'échouent aujourd'hui des quatre coins de la planète, sur les plages lusitaniennes.

Les œuvres de JULIEN FARGETTON naissent ainsi d'une manière de tracer poétiquement des correspondances entre des faits, de détourner jusqu'à l'absurde une certaine lecture du monde, comme celle de Charles Darwin qui expliquait que la forme ovoïde permettait à l'œuf de ne pas s'échapper du nid.

L'artiste réplique par un dispositif complètement sphérique enserrant la coquille, une prothèse qui offre une nouvelle liberté de circulation à cette vie d'œuf (Comment ne pas faire une omelette, œufs, matériaux divers, depuis 2015).

Dans ses dessins, ses inventions sculpturales et ses actions performatives, JULIEN FRAGETTON marche tour à tour dans les pas d'un explorateur, d'un inventeur ou d'un anthropologue, qui prend avec poésie et humour le contrepied des déterminismes du monde qui l'entoure.

Rifiuto, JULIEN FARGETTON, Marseille - Cogoleto, 2014. Vidéo, 29' 50".
Dessins, série Mappa, aquarelle, feutre, crayons de couleur, huile, collage sur papier plié.
Conteneur plastique, bois, sangles, mousse, tendeurs et tente.

Comment ne pas faire une omelette, JULIEN FARGETTON, 2014.
Oeuf , papier, colle, 14x14 cm.

> 2016-17
BLEXBOLEX
Exposition du 02 novembre au 16 décembre 2016
Rencontre avec l'artiste le mercredi 16 novembre 2016 à 12h

BLEXBOLEX, pseudonyme de Bernard Granger, est un illustrateur et un auteur de bande dessinée français.

Entré à 18 ans à l’école des Beaux-Arts d’Angoulême, en section peinture avec l’intention de devenir peintre, l'artiste en sort six ans plus tard sérigraphe.

Ses premières productions sont auto-éditées. Il participe à Popo Color, Fusée, Ferraille ou encore Comix 2000.

À la manière des affiches des films de Jacques Tati, le dessin de BLEXBOLEX, très stylisé, séduit de plus en plus de lecteurs. Son style rappelle les polars des années 1950-1960, avec un graphisme et un chromatisme très marqué.

Il est l’un des rares auteurs de la jeune génération à poursuivre à sa manière le travail de déconstruction de la ligne claire mené dans les années 1970 par Joost Swarte.

" J’ai abandonné le trait d’une part parce que je n’en avais plus besoin, et d’autre part parce que je ne savais jamais où le placer. (...) Un trait doit être parfaitement équilibré, il faut être très confiant, ce que je ne suis pas. "

Blexbolex vit en Allemagne où il dirige un atelier d'art à l'Université de Berlin-Weissensee. Il travaille régulièrement avec un nombre important d'éditeurs, dont Albin Michel Jeunesse, Thierry Magnier, Pipifax, United Dead Artists, les Requins-Marteaux, en France et en Allemagne.

Son travail se partage entre bande dessinée et album, entre image et texte, entre livre et revues.

En 2009, il reçoit " Le prix du plus beau livre du monde " (« The best bookdesign from all over the world ») à la Foire du livre de Leipzig pour son Imagier des gens (Albin Michel Jeunesse).

L'Imagier des gens, Saisons et Romance composent un tryptique consacré à l'imagier, forme la plus simple possible pour mettre en relation le texte et l'image.

Saisons, parle de la manière dont les gens habitent, occupent le temps, s'y habituent, oublient, se souviennent…

À travers les objets, les paysages et les événements ou les personnages qui marquent le passage d'une saison à une autre, le monde est évoqué dans ce qu’il a de permanent et aussi, dans ce qu’il comporte de mouvements perpétuels.

Au fil de cette lecture un jeu s’instaure : certains décors, objets, personnages se répètent dans différentes scènes, réapparaissent sous différent éclairages, jouant ainsi avec la mémoire et l’attention du lecteur.

Le but étant de faire observer le monde qui nous entoure, celui qui existe dans le quotidien tout autant que dans le passé ou l'imaginaire, de donner un aperçu de la vie toujours foisonnante, toujours surprenante, et de faire aimer la nature, permanente, mouvante et fragile.

Hors-zone, BLEXBOLEX, 2012.
Ed. Cornélius, 170 mm x 240 mm, 144 pages

Saisons
Saisons, BLEXBOLEX, 2009.
Ed. Albin Michel Jeunesse, 202 mm x 268 mm, 176 pages.

> 2016-17
DENIS DARZACQ
Exposition du 1er septembre au 17 octobre 2016
Rencontre avec l'artiste le mercredi 16 novembre 2016 à 18h

A l'instar des précédentes séries réalisées par DENIS DARZACQ, La Chute en 2006, et Hyper 2007-2010, le corps seul dans la série Act, échange avec un environnement, prend position dans un cadre au sens physique mais aussi métaphorique.

La performance des corps créé par travail photographique entre l'auteur et des personnes en situation d'handicap à la fois physique et mentale, devient un dialogue entre artiste et modèles, qui s'opère dans l'espace urbain et paysagé, mais aussi muséal.

Act comme action, prendre la parole, faire acte de présence, donner la vie, mais aussi « acting », créer de la distance à ce qu'on subit, ne pas être uniquement le représentant d'un handicap mais un être humain qui a un handicap.

Il y est question de présence, d’équilibre, d’assurance, d’opposition, de défi et de révolte, par une corrélation entre la mise en scène de la souffrance des corps handicapés et ceux de la peinture classique.

Extrait de Mobiles, texte de Michel Frizot, :
"À la différence des figurants des autres séries qui font figure dans l’image, ceux d’Act font signe par tout leur corps, les mains, le visage, le regard, les membres surtout dont on ne peut présumer le degré de mobilité.
Mais ils ne transmettent aucun message puisque celui-ci nécessiterait une conformité à la norme."

Dans la série La chute (2005-2006) de DENIS DARZACQ, des corps en lévitation semblent strier l’image.
Les gestes, attitudes, mouvements s’opposent à la géométrie de la ville.

À l’espace de la sédentarité et du contrôle, ces êtres opposent des événements, des intensités, des forces perturbant les repères visuels.

Le corps devient souple, fluide, sans structure. Il sort de la rigueur des lois physiques et semble saisi dans une position qui pourrait être celle de la danse, de la mise en rythme.

Elle indique également combien toute ville, y compris Paris ne peut plus s’appréhender comme un lieu, un ensemble de rues, de boulevards et de places, bref un espace avec ses centres et ses périphéries, ses zones dans les marges.

Désormais, la ville est mouvement, flux, circulations, croisement de mobiles que sont les êtres et les choses. Ce ballet gigantesque, n’ayant ni forme ni fin, favorise l’errance et le doute.

La photographie déploie ici un récit. Récit jamais livré ou donné mais à reconstruire par chacun d’entres nous dans notre propre expérience de la ville.

Hyper, série de 2010, approfondira cette thématique.
Si les personnages convoquent des postures et des attitudes assez similaires, le décor change radicalement.

En choisissant comme territoire les supermarchés, ces temples d’un commerce normalisé, DENIS DARZACQ indique combien son propos se situe plus du côté politique.

Il faut indéniablement prendre ces images comme un cri. Refusant toute normalisation, niant et se moquant des promotions, des offres d’achat, des circuits balisés, déjouant les stratégies de mise en dépendance économique, les corps flottent, restent en suspens, exécutant une figure improbable contraire à la rigueur stratégique des rayons.

A la pesanteur de cette esthétique du moins et du pauvre, ces figures libres opposent la toute puissance de l’irrationnel comme forme de résistance.

Qu’il invite des jeunes d’aujourd’hui à lire devant la caméra des lettres inédites de soldats de la Grande Guerre ou qu’il chorégraphie les corps d’adolescents handicapés au cœur de la ville ou du musée, dans des lieux où personne ne veut les voir, DENIS DARZACQ ne cesse d’affirmer la photographie comme un passage à l’acte,;

DENIS DARZACQ
Act, DENIS DARZACQ, 2008-2011.
Tirage argentique, 130 x 100 cm.

DENIS DARZACQ
La Chute, DENIS DARZACQ, 2005-2006.
Tirage argentique, 130 x 100 cm.

Hyper, DENIS DARZACQ, 2007-2010.
Tirage argentique, 130 x 100 cm.

> 2015-16
MONTROUGE KRISTAL
Exposition du 06 juin au 08 juillet 2016
Finissage en présence de certains des artistes le vendredi 1er juillet 2016 à 18h.

SIX OEUVRES SELECTIONNÉES PAR NOTRE JEUNE PUBLIC EN CETTE 62eme EDITION DU SALON DE MONTROUGE :

> JULIEN FARGETTON, Prix Kristal 62ème Salon de Montrouge, dont son travail sera présenté à la galerie en janvier 2017, présente une maquette de caravelle fabriqué à partir des déchets qui s’échouent aux bord des mers du monde entier, qu'il avoue être en train de la réaliser plus grande, à une échelle d'1/250ème.

"J' ai marché dans les rues de Barcelone, pendant l'heure de la sieste. La plupart des rideaux de fer étaient tirés, rendant visible la crasse de la ville sur le gris métallique. Cependant des cercles de couleur dansaient sur le bas, près des poignées servant à ouvrir boutique.

Ce sont les serruriers qui collent leurs stickers à ces endroits-là, juste au cas où. J'en ai décollé plusieurs jusqu'à avoir une belle collection.

Plus loin sur ma route, je longe la promenade du bord de mer. Je prends en photo les silhouettes des cargos circulant au large, avec leurs dentitions particulières.

De retour chez moi, je superpose ces cercles colorés et poussiéreux à ces contours de navires. On dirait des clés".

> Un jeune alsacien GUILLAUME BARTH, où face à une sphère qui semble sur la photographie être une planète, dévoile au final sur l'animation vidéo un igloo de briques de sel dont l'image se reflète sur le désert bolivien Elina, humidifié par les premières pluies, et parait alors comme un astre fragile.

> Le travail de JOHAN LARNOUHET tourne autour d'un espace réel, capable de se transformer en univers mental. Á partir de sources variées – architectures existantes, images provenant de médias électroniques, la photographie, la sculpture et la peinture –, l’artiste crée des intérieurs habités tant par des objets réels, que par des formes géométriques fictives.

L'artiste peint des toiles dans lesquelles le vide est le personnage principal. Il mélange intérieurs habités et objets réels à des formes géométriques inventées, offrir des repères pour croire à une certaine réalité, mais aussi quelques élèments pour ne pas y croire tout à fait.

> L'installation de FLORENCE LATTRAYE présenté par un cercle en poudre de bois, au milieu duquel est surpendu un vieil aspirateur, objet figé dans le temps qui vient mordre l’étrange douceur de ce tapis.
Il le fend d’une ligne nette qui annonce le début d’une longue chorégraphie maniaque.

Par ce geste d’aspiration, la pièce retrouve sa matière d’origine : une nouvelle boucle se forme.

> Toujours autour de la limite entre vérité et fiction, un extrait du projet A Couple Of The, de JOHANA BENAINOUS & ELSA PARRA, avec 18 photographies, une vidéo et une édition : à la marge entre image sociale et performance, les deux artistes incarnent des clichés du quotidien.
" Les personnages représentés sont tous banals, et pourtant nous rappellent tous quelqu’un » explique Johanna.

A la fois proches et anonymes, ces portraits reconstituent les archives d'une jeunesse ordinaire qui nous convie à l'errance de son quotidien.

> Tetris, oeuvre de GWENDAL LE BIHAN, est constitué d'éléments de construction architecturaux ludiques. Architecte du sensible, l'artiste transforme ainsi un geste répétitif en une action divertissante et réfléchie.

En transposant les deux dimensions initiales du jeu Tetris en trois dimensions, GWENDAL LE BIHAN se positionne à mi chemin entre une activité de peintre et d’architecte. Cette transposition en volume, permet également d’apporter de nouvelles possibilités dimensionnelles offertes grâce à la variété d’assemblages.

As Naus / Le retour des caravelles, Julien Fargetton, 2014.
Carton, colle, 150 cm x 100 cm x 100 cm Sculpture, sel, eau. 150 cm x 300 x 300.

JohanLarnouhet
Sans titre, Johan Larnouhet, 2015.
Huile sur toile, 180 cm x 180.

Odd Habit Ghost-Manufrance, Florence Lattraye, 2012.
Pièce d'aspirateur, bois, poudre de bois, câble.

> 2015-16
ERWAN ET RONAN BOUROULEC
Exposition du 02 mai au 03 juin 2016
Finissage en présence de Ronan Bouroullec le mercredi 1er juin 2016 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
Dès le début, avec l’Italien Giulio Cappellini, qui « découvre » les frères Bouroullec en 1998, et la réalisation du fameux Lit clos qui sera présenté chez Kreo à Paris, le dialogue avec les fabricants et éditeurs exigeants s’est inscrit dans la durée : Vitra, Ligne Roset, Magis, Alessi, Flos, Hay et Artek.

Encore tout jeunes, Ronan (né en 1971) et Erwan (né en 1976) ont acquis notoriété et maîtrise.

Pour preuve, Losanges, tapis d'inspiration persanne, tissé par les artisans du Nord Pakistan avec des fils de laine filés à la main d'origine afghane, déclinés dans une douzaine de couleurs différentes, pour la marque espagnole Nanimarquina.

La technique du kilim utilisée, une technique ancestrale de tissage, garde aux tapis leur souplesse, leur authenticité et leur beauté sur les deux faces.

Dans le cas de la collection Officina qui regroupe tables et assises, la simplicité absolue rencontre le charme d’une matière première ancestrale, vivante et avec de légères imperfections qui rendent chaque pièce de cette collection unique, d’un goût sans aucun doute industriel mais marqué par un esprit profondément raffiné et élégant.

Le travail du fer forgé, processus qui donne forme au métal en l’écrasant entre le marteau et l’enclume, a une histoire millénaire.

Avec cette technique, au cours de l’histoire, sont nés de multiples objets d’usage quotidien et des ouvrages d’art.

La plupart du temps, le design ne consiste pas à inventer des fonctions mais à les rendre simples et accessibles.

Les frères Bouroullec ont adopté cette approche quant à l’interface utilisateur du téléviseur Serif TV qui applique un filtre sur le contenu et donne une impression abstraite de ce qui se passe derrière, à l’instar d’un rideau que l’on tire sur l’écran.

De profil, cet écran TV en forme de « i » majuscule s’éloigne de l’obsession des écrans ultra-fins et appartient au monde des objets.

On l'attrape après avoir tourné autour de lui, le déplace, dévisse son piétement et pose l'objet librement sur un meuble, en offrant une silhouette fine qui s’évase vers le haut pour former une surface plane comme une petite étagère.

Dans la grande galerie du FRAC Bretagne, l'exposition actuelle des Bouroullec 17 Screens donne à voir, pour la première fois en Europe (après le musée de Tel-Aviv), des cloisons modulaires et aériennes, à travers lesquelles dansent la lumière et les ombres, tel un appel à la contemplation.

Avec cinq éléments inhabituels, enfilés comme des colliers (tubes de verre, d’aluminium, céramiques, textiles ou branches de châtaignier), les Bouroullec ont élaboré 17 propositions de parois suspendues.

Autant de guipures ou de lianes graphiques qui reconstruisent l’espace et permettent « à chacun d’inventer la vie qui va avec".

Losanges, Erwan et Ronan BOUROULLEC, 2011.
Tapis laine afghane, 165 x 245 cm.
Editeur Nanimarquina.
EN SAVOIR PLUS

17 Screens, exposition FRAC BRETAGNE, Erwan et Ronan BOUROULLEC, 2016.
Systèmes de cloisons, suspendus et modulaires, « expérimentaux et atmosphériques »,
céramique, verre, aluminium, bois, textile ou guipure.
Ici, branches de châtaignier reliées par une petite pièce souple imprimée 3D

> 2015-16
XAVIER VEILHAN
Exposition du 07 mars au 16 avril 2016
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 13 avril 2016 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
Figure majeure de la scène artistique internationale, XAVIER VEILHAN développe depuis la fin des années 1980, une démarche aux formes multiples -sculpture, peinture, environnement, spectacle, vidéo, photo- s’inscrivant entre classicisme formel et haute technologie.

L’art est pour lui «un outil de vision au travers duquel il faut regarder pour comprendre notre passé, notre présent, et notre futur».

Clin d'oeil à la présentation prochaine du travail des frères BOUROULLEC à la galerie, est évoqué ici la combinaison déjà proposée en 2010 à l'inauguration de Pompidou-Metz lors de l'exposition Chef d'oeuvre, avec Jordan de XAVIER VEILHAN et Clouds des designers BOUROULLEC.

Au Pompidou de Metz, Jordan - statue de l'homme debout, réalisée après une prise de vue en 3D et fabriquée en polystyrène -, fût adossé à un mur de 35 Clouds eux aussi en polystyrène, mur dont la fonction initiale fût de jouer un rôle de paroi.

Car de suite une image nous vient à l'esprit. Celle du personnage d'une peinture romantique du XIXème siècle, face à une mer de nuages, Le Voyageur contemplant une mer de nuages, par Caspar David Friedrich.

La vision des Clouds procède à un positionnement dans l'espace.
Car ce qui différencie une oeuvre d'art et l'objet issu du design, c'est que ce dernier se révèle lorsqu'il est utilisé.

A plusieurs reprises déclinés, les Clouds des Bouroullec offrent à chaque fois l'avantage de se construire son propre espace, forcément unique. L'objet évolue dès que vous ajoutez des éléments ensemble, produisant un effet tridimensionnel, à la manière d'une architecture fluide et un peu désordonnée.

Mais ici l'objet associé à d'autres jouent un rôle de fond, et isole ou créé une espèce de second plan au personnage.

Jordan surplombe alors l'espace, non plus intérieur mais extérieur. Tel un créateur, il se pose en contemporain, en interface entre la ville et « la boite d'exposition».

Toujours autour du travail de la statuaire, Laurence, 2012, en chêne massif, fait partie de cette recherche de XAVIER VEILHAN où il souhaite réinvestir le champ vacant de l'idée de la célébration, et de la statuaire :

" J'ai commencé a faire des portraits avec lesquels j'étais en sympathie, des gens que je connaissais déjà, des amis.
Donc des personnes inconnues.
Ce qui m'intéresse est l'aura de la présence, du volume de la personne dans l'espace.
En éliminant toute tentative de portrait psychologique, et en s'en tenant à un strict relevé corporel, on atteint une représentation plus universelle.
Dans la statuaire, j’active une zone de contact entre le public et le privé. Regarder une statue, c'est regarder une personne qui ne peut vous voir ; c'est s'attacher à la forme d'un être. "

Sont présentées aussi dans l'exposition des maquettes du célèbre Rhinocéros rouge réalisé pour la boutique new-yorkaise du couturier Yves Saint-Laurent en 1999, et celle du Requin que l'on a pu découvrir grandeur réelle à la galerie Emmanuel Perrotin en 2008,

Sculpture en miroir sur site de cinq mètres par deux, le squale à facettes sur socle reflétait l'espace autour de lui. On pouvait s'approcher, se mirer, regarder son reflet.

Suspendu, comme interrompu en pleine course, le monstre argenté a perdu son pouvoir destructeur par l'absence de détails laissant place à une surface lisse et polie.

Ne reste du requin que l'essentiel : son aura dense, sa présence autoritaire. Sans psychologie, le prédateur est figé.

Pour l'ancien élève de Daniel Buren, "La réalité n'est que mouvement." Comme un écho aux futuristes des années 1910, XAVIER VEILHAN associe technologie et mouvement, pour offrir une impression de vitesse, de fluidité au requin effilé, un aérodynamisme.

De façon surprenante, fluidité aussi pour le Rhinocéros avec l'utilisation d'une peinture laquée rouge qui rend la corpulence de l'animal préhistorique bien lisse, ayant même l'allure d'un bolide (à vivre ou revivre dès les printemps dans les collections du Musée National d'Art Moderne).

L'échelle 1 de la forme monolithique, renforce la relation au spectateur que l'artiste souhaitait simple de prime abord, car conçue pour être présentée derrière une vitrine située dans le quartier de Soho.

Une volonté de générer une lecture immédiate, pour capter une forme d'attention du passant, ses courses en main. Stimulation visuelle faite, s'offre alors une contradiction entre cette dimension de séduction de la brillance d'un rouge vif de stick-à-lèvres, et cette tension de par l'essence même de l'animal où sa puissance a nourrit notre imaginaire collectif.

Parce que la matière autant que le geste de l'artiste trouve la forme, parce que les détails de l'animal sont résumés à ce qui est nécessaire à la compréhension du mot Rhinocéros (pas de nasaux, ni yeux..), le face-à-face avec le jeu de lumières et d'ombres sur l'œuvre rend l'objet, industriel.

Un trouble existe : même s'il s'affirme par une présence physique, il nous échappe. Apparait alors l'universalité du sentiment pour l'animal, comme pour le requin : qu'il soit méchant ou gentil, il est animal, avec une survivance préhistorique dans le monde contemporain.

Jordan, XAVIER VEILHAN, 2010. Polystyrène, 193,5 x 68 x40 cm.
Clouds, 2004, Erwan et Ronan Bouroullec. Polystyrène, 104x 183 x 40 cm.

Laurence, XAVIER VEILHAN, 2012.
Chêne massif, 68,1 x 29 x 12,4

Le Requin (maquette),XAVIER VEILHAN, 2008. Résine PU, peinture, 90 x40 x 50 cm.
Le Rhinocéros (maquette), XAVIER VEILHAN, 2001. Résine, 36 x 76 x 24 cm.

XAVIER VEILHAN

Exposition Xavier Veilhan, mars 2016, galerie Artyfamily.

> 2015-16
RICHARD PAK
Exposition du 04 janvier au 19 février 2016
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 17 février 2016 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
RICHARD PAK pratique une photographie du sensible pour s’intéresser notamment à ses contemporains dans la sphère privée ou publique.

N’hésitant pas à passer d’un style proche du documentaire à une approche sérielle et systématique, ainsi qu’en associant l’écriture et la vidéo à ses recherches photographiques, le photographe navigue entre représentation du réel et évocation du fictionnel.

Après avoir vécu et travaillé cinq ans à Londres, il effectue de nombreux séjours aux Etats-Unis entre 2003 et 2009 pour réaliser la série Pursuit, dont la monographie est éditée par Filigranes en 2012.

Pursuit, qui mêle portraits frontaux et scènes prises sur le vif, avec pour finalité l’envie de suggérer plutôt que de décrire, est le fruit de beaucoup de temps, du hasard et de la complicité de ceux qui lui ont accordé leur confiance en l’accueillant dans le périmètre de leurs vies privées.

Ce travail photographqiue a comme fil conducteur la Déclaration d’Indépendance des Etats-Unis qui mentionne le droit de chacun « à la vie, la liberté et la poursuite du bonheur .

L'artiste a choisi ici de s’intéresser à deux Amériques. Celle de la middle-class qui vit le "rêve américain" tel qu’universellement admis, et celle des "petites gens" en marge de ce mirage qui vivent dans leur mobile home à jamais immobile, l’Amérique qui peuple les nouvelles de Raymond Carver.

Comme souvent chez RICHARD PAK, parallèlement au travail photographique, il retranscrit la chronique de ses rencontres, rassemblées dans un recueil.
Car avant les images de Pursuit, l y a ces mots de la littérature américaine qui a alimenté son « imaginaire américain ».
Les mots alors de Please, Come Again donnent à voir des images, celles qui atteignent les limites de la photographie : les histoires des protagonistes de ce travail, le making of de leurs rencontres, et le hors champs de ces bouts de vies partagés.

Par la série Les Frères-pareils, RICHARD PAK devient lauréat de la Résidence Photographique de L’Œil Urbain, en 2014
Une série sur deux frères, Gilles et Eric, rencontrés à la médiathèque de Corbeil-Essonnes et qui surprennent l'artiste par leur insatiable curiosité artistique et culture rock.
Parallèlement, une série sur la ville. Ou des bouts de ville. Vide, sans personne qui l’habite, ni même qui la traverse. Tels les décors pas encore démontés d’un drame qui vient de se jouer.

Cheveux en bataille, sapes d’une autre époque et sacs plastiques en main, la dégaine « des jumeaux » interpelle forcément. Tout le monde dans la ville, depuis toujours, semble les connaitre.

" Ils ont eu la générosité de me laisser entrer dans leur vie, le temps de ma résidence", précise le photographe.
"Pendant près d’un an à se fréquenter, une confiance et un attachement réciproques se sont installés. Ils m’ont laissé photographier à peu près tout ce que je voulais. D’abord les sujets de la série, ils en sont insensiblement devenus les modèles complices. "

S’il est établi qu’une fonction de l’art est de procurer un plaisir esthétique, il est plus rare que cette même émotion soit la matière de l’artiste.
Mise en abîme de l’oeuvre dans l’oeuvre et résolument ancrée dans le champ d’une photographie du sensible, Je ne croirai qu’en un Dieu qui danse est une recherche sur la représentation de l’émotion esthétique.

Il s’agit ici de celle que procure la musique, saisie sur les visages de spectateurs de concerts.

Vénération, joie ou tristesse, rage, mélancolie ou rêverie, autant de variations autour de la figure humaine dans ce qu’elle a d’unique sur le reste du vivant.

Recadrant allègrement les négatifs pour accentuer un grain déjà présent, RICHARD PAK a opté pour un procédé minimaliste et expressionniste afin d’appréhender l’incarnation la plus exhaustive, épurée et atemporelle de l’émotion esthétique.

N'envisageant pas lui-même une vie sans musique, le titre de cette série est emprunté à Friedrich Nietzsche qui affirme dans Ainsi parlait Zarathoustra « je ne pourrais croire qu’en un Dieu qui sache danser".

Richard Pak

Pursuit, RICHARD PAK, 2003-2009,
Photographie d’après négatifs couleur, tirage type C,
80x120 cm.

Richard Pak

Les Frères Pareil, RICHARD PAK, 2014,
Photographie d’après négatifs couleur, impression jet d'encre sur papier Hahnemühle,
50x75 cm.

Je ne croirai qu'en un Dieu qui danse, RICHARD PAK, 2011-2013,
Photographie d’après négatifs noir et blanc sur papier Fine Art-pigmentaires Hahnemühle,
150x100 cm.

> 2015-16
MATHIEU ROQUIGNY
PRIX KRISTAL - SALON DE MONROUGE 2015
Exposition du 02 novembre 17 décembre 2015
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 13 avril 2016 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
Pour s'intéresser au "temps qui passe", MATHIEU ROQUIGNY fait don du sien.

L'artiste ne fait pas de séparation entre sa vie personnelle, son travail de plasticien ou de photographe.

Il les brode ensemble, jour après jour, et crée leur valeur dans la mise en beauté d'objets résiduels, mais signifiants du quotidien.

Depuis 2013, il utilise les matériaux « pauvres », « ordinaires » qui l'entourent au quotidien.
Dans une de ses mains peuvent se trouver des bouts d'asphalte ramassés sur les trottoirs et, dans l'autre, des chewing-gums colorés.

Sa ligne directrice ne changé pas.
Dans L'oubli, Il encadre des parts de pizza carbonisées. Lorsqu'il explique sa méthode de travail, MATHIEU ROQUIGNY emploie beaucoup les mots "loufoques", "s'amuser", "se laisser surprendre par les objets qui nous entourent".

Si "anodine" et "aléatoire" que soit sa matière première, l'important est dans l'affect qu'elle renferme ou le souvenir qu'elle déclenche.

Tuc pour Tonton Michel est peut-être son oeuvre la plus intime. Elle prend la forme de 28 biscuits salés sous verre, rectilignes comme un cimetière de 14-18.
" Nous venions d'enterrer mon oncle. Au moment de partir du buffet donné aux proches et à la famille, ma tante m'a mis un paquet de Tuc dans les mains. Je n'ai jamais pu le manger. Il est resté deux ans dans mon placard. Un jour, je l'ai sorti. "
Le temps crée l'oeuvre.

Mains dans les poches. MATHIEU ROQUIGNY n'en dit rien.
Peut-être est-il obsédé par la fin, par la signification de l'existence, l'angoisse de ne pas laisser de traces.
Yeux douloureux et sourire large, il s'intéresse au «temps qui passe, à la mémoire».

Mais le trentenaire n'a pas vraiment l'air de broyer du noir. Il préfère se balader, en laissant traîner ses yeux sur les petites choses, insignifiantes, récurrentes, que tout le monde voit mais auxquelles personne ne prête pas attention.

L'obsession du collectionneur en plus. Patiemment, il récupère les résidus de taille-crayons, ramasse les cendres de ses cigarettes roulées, accumule les listes de course froissées, les tracts sur papier gras - «Mr Ali, Grand voyant-médium » -, épingle les dates de péremption de pots de yaourts.

Année après année. MATHIEU ROQUIGNY s'y accroche : c'est dans la quantité que se trouve la légitimité de sa démarche :
« Les collections que je fais sont un peu vaines, parce que les objets qui m'intéressent n'ont pas de valeur marchande. Mais plus je persiste, plus cela leur donne une importance, une valeur personnelle."

En détournant un objet simple et usuel, le crayon de couleur, l’artiste revient ici à l’essentiel.
Après un taillage absurde, répétitif et contraignant de centaines de crayons, il en récupère enfin l’essence (la substantifique moëlle) : la poussière de mines colorées.

Dans un désir de montrer la beauté dans la simplicité de la matière même, dans la pureté des pigments, il fixe en un souffle ces particules colorées.

Agrégées en une forme primitive, le cercle, ces milliers de pépites revêtent alors une nouvelle physionomie, créent une profondeur à la surface plane sur laquelle elles sont accrochées.
En enlevant au crayon sa fonction première, l’artiste nous incite à observer la substance même, sa beauté.

Pour le travail performatif Abracadabra, MATHIEU ROQUIGNY s’est servi d’une propriété essentielle et magique de l’eau : principe de fusion, passage de l’état solide à l’état liquide.

En utilisant de manière ludique et enfantine des lettres glacées, teintées à l’encre bleue, il a rendu visible et intelligible ce phénomène.

Comme cela revient souvent dans son travail, l’artiste trouve par le biais d’objets usuels, des gestes quotidiens, le détournement de tout cela, un moyen de transmettre ses idées et ses préoccupations.

Après une première lecture comique, la phrase écrite aux glaçons, en fondant et en s’inscrivant sur le mur, rappelle que les choses sont éphémères, et questionne sur la trace, sur ce qui reste.

L'oubli, MATHIEU ROQUIGNY, 2015.
Pizza carbonisée contre-collée, 100x100 cm.

Tuc pour tonton Michel, MATHIEU ROQUIGNY, 2014.
73 x 53 cm.

Mathieu Roquigny

Premier Souffle, MATHIEU ROQUIGNY, réalisé avec les enfants de la galerie, 2015.
Poussière de mines de crayons de couleurs, colle, 80 x 170 cm.

> 2015-16
PHILIPPE RAMETTE
Exposition du 1er septembre au 16 octobre 2015
Finissage le mercredi 14 octobre 2016 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
Après des études à la Villa Arson, à Nice, où il renonça rapidement à poursuivre ses tentatives de peintre, PHILIPPE RAMETTE commença à réaliser d’étranges installations, mélanges de bricolages ingénieux et d’objets délicatement fabriqués d’où émanaient déjà ce qui aujourd’hui encore trame son travail : l’humour, le grincement, la peur, l’ironie, parfois le dérisoire, mais aussi la mise en jeu de l’art, au sens premier du terme.

Enoncés dans leur relation au corps comme étant des objets à réflexion, ses oeuvres, dont le titre occupe une place importante, se présentent souvent comme autant d’appareils ou de dispositifs à expérimenter physiquement ce qui ne devrait être qu’un processus de pensée.

Si PHILIPPE RAMETTE se définit avant tout comme un artiste sculpteur, la photographie est très vite intervenue dans son oeuvre comme une manière d’attester.
Se mettant lui-même en scène comme utilisateur de ses propres objets Socles à réflexion (utilisation), 1989-2002, ou Objet à voir le monde en détail (utilisation), 1990-2004-, es derniers deviennent le prétexte à toutes sortes d’expériences et de mises à l’épreuve.

En 2004, Philippe Ramette présentait à la galerie Xippas un ensemble de prothèses sculptures de forme "abstraite" et d’apparence énigmatique, qui ont été conçus pour la réalisation d’une série d’une dizaine de photographies présentées en parallèle.

Utilisant le procédé de renversement de l’image ou de son propre corps comme objet de la démonstration, l’artiste se met à l’épreuve du monde et défie les principes de l’apesanteur.

Les prothèses, invisibles à l’image, camouflées sous ses vêtements, habituel costume-cravate, permettent à l’artiste d’expérimenter des positions qu’il nomme «irrationnelles».

Dans la continuité des projets photographiques initiés en 2004, PHILIPPE RAMETTE réalise en 2006 un ensemble de photographies intitulées Explorations rationnelles des fonds sous-marins.

Ces photographies présentent l’artiste évoluant sous l’eau en promeneur solitaire, ignorant les contraintes des profondeurs.

Parallèlement, Philippe Ramette réalise un ensemble de Lévitation de Chaise, dont on avait pu voir une première réalisation lors de la FIAC en 2005.

Ces sculptures réalisées en bronze peint, simulent les véritables textures et couleurs du bois et de la corde, créant l’illusion d’une lévitation sur le mode poétique.

L’artiste qualifie lui-même ses oeuvres de « sculptures photographiques». Elles figurent l’instantané d’un mouvement : le moment où la chaise s’envole et s’échappe de la corde qui la retient.

Par ailleurs, un moulage en bronze de son avant-bras qu’il fixe au plafond offre « une main tendue » à l’attention du spectateur.

Contemplation irrationnelle, PHILIPPE RAMETTE, 2003.
Photographie couleur, 150 x 120 cm.

Philippe Ramette

Exploration rationnelle des fonds sous-marins : la sieste, PHILIPPE RAMETTE, 2006.
Photographie couleur, 150 x 120 cm.

> 2014-15
MONTROUGE KRISTAL
Exposition du 08 juin au 17 juillet 2015
Finissage en présence de certains des artistes le mercredi 24 juin 2015 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :

QUATRE OEUVRES SELECTIONNÉES PAR NOTRE JEUNE PUBLIC EN CETTE 62eme EDITION DU SALON DE MONTROUGE :

> Si la peinture, en tant que mode de production d’images fixes, exclut a priori le mouvement, JEAN DE SAGAZAN l’envisage dans un rapport très étroit, non seulement à la photographie –dont elle procède en l’occurrence, l’artiste réalisant des sortes de notes photographiques puis détourant sur photoshop des éléments à partir desquels il recompose l’image et mixe plusieurs réalités dissociées–, mais aussi au cinéma.

Le cadre –motif récurrent et souvent multiple, outre celui que forme naturellement le tableau- constitue le théâtre d’actions inscrites dans un processus temporel et narratif dont il convient de projeter la part qui, manifestement, se révèle manquante, hors-champ et/ou cachée.

Usant de plans stratifiés, de jeux de miroirs et autres mises en abîme qui créent une profondeur de champ et une temporalité plurielle, JEAN DE SAGAZAN brouille les repères spatio-temporels et les pistes de lecture, et fait se croiser les regards : entre les personnages qui se partagent l’espace de la toile, mais aussi entre eux et nous, devenus regardeurs regardés.

Ainsi, soulignée par d’incessants va-et-vient et tensions entre réalité et (science) fiction, je et un autre, mouvement et immobilité, plein et vide, avant et après, devant et derrière, intérieur et extérieur, la question du point de vue – et, à double titre, du sens – s’impose face à ces espaces-temps flottants dans lesquels l’artiste nous incite à rentrer, telle une quatrième dimension picturale.

> MARION BÉNARD, 2014. :
" Si certains de mes travaux représentent un long travail de patience et de précision, d’autres relèvent du readymade.

Tout est approprié, crayon, aquarelle, bois, plâtre, papier, tissu, objets, tout me sert.

Mes pièces jouent avec sérieux au jeu des ressemblances. Le costume, le fard, l’attitude m’intriguent. Sous le masque, derrière les avatars se cache l’identité profonde. Je veux mesurer la part de jeu, la part d’angoisse du manège social. Dans la mimèsis, la doublure du je(u), où est l’intime dans la vitrine?

Le mimétisme sert au prédateur, à l’inquiet, au pudique, au séducteur. S’il traduit un instinct de survie, il est aussi synonyme de profusion, de passion, de jeu, d’ivresse, d’esthétique.

C’est ce pourquoi je travaille. Quand l’exubérance passe inaperçue, que le rusé se fait piéger, quand l’animal imite la peau de bête et la feuille morte refuse de tomber, que le modèle ne se sépare pas de son portrait ni le panier de pommes de sa nature morte, quand la peinture se déroule et la sculpture s’étale.

Ce réel de résistances et d’absurdités cohérentes, je lui donne vie dans des pièces où les hommes, les animaux, les objets dialoguent, tous personnages : figurants ou acteurs. Des relations complexes et ambigües de compétition, d’amitiés, de dépendances existent entre eux.

De cette logique du dysfonctionnement, de l’à-peu-près, du fragile, mes pièces trouvent leur équilibre.spectateur.

> Grâce à une iconographique kitch et luxuriante, les tableauxs de VINCENT GAUTIER dépeignent la société américaine.

Une vieille femme, qui se croit encore jeune, conduit un camping car et se prend en photo tout en conduisant.
A côté, sur le siège passager, un petit chien fier comme un danseur de tango a pris place. Welcome in América...

A côté, des jeunes filles inconscientes, libres, sveltes, s'amusent aussi sensuelles que perdues. Derrière, une femme âgée porte le poids des ans et veille à sa démarche.

Puis un tableau qui, à lui tout seul, pourrait résumer l'Amérique profonde avec le portrait volontairement caricatural de ces vieilles femmes souriantes mais aux dentiers incertains, qui reflètent à une forme de culture pop mondialisée dont nous sommes souvent les victimes complices.

VINCENT GAUTIER cultive une certaine forme de vulgarité et n'hésite à nous montrer la société telle qu'elle est.

> JÉROME CAVALIÈRE est un artiste qui a le sens du comique.
Désaccords est une série de vidéos courtes sous-titrées en français diffusées sur internet, et réalisée avec Stéphane Déplan.

Les deux artistes ont récolté des vidéos étrangères qui avaient leur vie propre sur internet, pour la plupart dans une qualité médiocre car filmées avec un téléphone, où plusieurs personnes en viennent aux mains pour régler leur différent.
Les vidéos deviennent des ready-mades, des artefacts interprétées sommairement, habilement, et où les sous-titres placés pour comprendre le sujet de l’altercation sur son inaudible de langues étrangères écrabouillées, nosu font font douter de la véracité de leur traduction.

C’est comme une illusion auditive un peu potache. Que nous laissent croire ces sous-titres?
Que ces scènes de bagarres, point commun à toutes les vidéos collectées, ont lieu entre des "acteurs de l’art contemporain" : responsables de FRAC, commissaires d’exposition,
artistes.

Évidemment ça nous amuse.
Et l'artiste renvoie ces vidéos, ainsi sous-titrées, à leur destin : sur la toile, au déchaînement des commentateurs, à l’intervention potentielle d’autres Youtubeurs.

Sans titre, JEAN DE SAGAZAN, 2014.
Huile sur toile, 158 x 198 cm.

Marion Benard

Housse, MARION BÉNARD, 2013, crayon graphite et aquarelle sur papier, 178 x 200 cm.
Mains en plâtre et tissu, 60 x 60 x 8 cm.

Sassy gals get the hose, VINCENT GAUTIER, 2014.
Acrylique sur toile, 89 x 116 cm.

Jérôme Cavalière

Désaccors, JÉRÔME CAVALIÈRE, 2014.
Série de vidéos, 12"36. En collaboration avec Stéphane Déplan.

> 2014-15
VALÉRIE VILLIEU
Exposition du 04 mai au 05 juin 2015
Finissage en présence de l'artiste le jeudi 04 juin 2015 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
La mémoire conserve les souvenirs, des états de consciences passés.

Elle reconnaît et désigne ce qui n'existe plus, ce qui se prolonge. Il y a la mémoire individuelle et la mémoire collective.

La mémoire individuelle est multiple, elle est un vécu qui est en perpétuelle évolution, temporaire, presque abstraite, car chacun conserve sa propre interprétation des choses.

Ce phénomène pourtant privé alimente la mémoire collective qui devient alors une source pour l'histoire d'un pays, rassemble les récits d'un évènement précis avant de savoir s'ils sont dignes de faire partie de l'Histoire.

Cette mémoire collective que chacun s'octroie pour la restituer différemment participe alors à une somme de mémoires éclatées.

Pour l'évoquer, le travail de VALÉRIE VILLEU en collaboration avec Lauence Faure dans les séries La stratégie du bonheur (2004) et Vol (2012), recrée des histoires fictives par des compositions photographiques ou vidéos évoquant chez le spectateur des souvenirs à la fois personnels et communs à tous.

L'un nous replonge dans notre enfance à partir de films Super 8 chinés aux puces et projetés. L'autre brouille les frontières entre mémoire individuelle et collective autour de la destruction et reconstruction de la ville de Brest, et témoigne ainsi d'une formidable capacité de l'homme à se reconstruire.

Car VALÉRIE VILLIEU n'a de cesse depuis ces premiers travaux de croire au partage d'un même passé malgré nos individualités, et à certains points de jonction autour de récits multiples, ces derniers pourquoi pas à entretenir ensemble.

La série Jeudi Aujourd'hui, réalisée en 2006, réunit les pièces d'un puzzle concernant la vie d'une mère de famille, Madame D., atteint à 88 ans de la maladie d'Alzheimer.

A l’aide d'objets les plus banals, l'artiste analyse son réel, en dénotant de son goût pour la culture ou l'histoire.

Les extraits de ses petits agendas par exemple, oubliés dans un tiroir ou calant une porte, narrent quarante années de vie, allant de son intérêt pour un livre ou d'une pièce de théâtre à ne pas louper, à la nécessité de fixer une information sur papier pour ne pas subir le souvenir de l'oubli.

Ici, la mémoire des choses peut s'avérer être un espace où les objets trouvent enfin leur place, et où leur empreinte communiquent aussi de la perception de l'auteur

Sinon, pourquoi l'artiste s'attellerait à envisager l'image photographique comme une sculpture, en accumulant les couches d'Ektas dès la prise de vue, en rajoutant à l'intérieur du boitier 6x6 le papier à fromage de sa grand-mère épicière, en manipulant le polaroid lors de sa révélation, en photographiant les projections de films, et parfois même en réutilisant des extraits de ces derniers en boucle sérielle dans l'idée que leur mouvement crée une nouvelle histoire, celle de l'Autre qui semble interroger son futur, et nous-même son passé ?

Comme si l'image seule ne suffisait pas et qu'elle-même sollicitait une épaisseur pour témoigner des vécus de chacun.

Comme si l'image se questionnait sur la fragilité du réel qui d'ailleurs peut nous échapper, de sa frontière instable avec l'imaginaire, et surtout de sa pérennité après sa finalité.

La stratégie du bonheur, VALÉRIE VILLIEU & LAURENCE FAURE, 2004.
Tirage lambda, contrecollé sur PVC, 30x45 cm.

Strategie-VillieuFaure

La stratégie du bonheur, VALÉRIE VILLIEU & LAURENCE FAURE, 2004.
Tirage lambda, contrecollé sur PVC, 30x45 cm.

Jeuid Aujourd'hui

Jeudi Aujourd'hui, VALÉRIE VILLIEU, 2006.
Tirage lambda, contrecollé sur aluminium, 20x30 cm.

Villieu & Faure

Vol, VALÉRIE VILLIEU & LAURENCE FAURE, 2012.
Tirage lambda, 30x100 cm.

> 2014-15
JULIEN SALAUD
Exposition du 02 mars au 17 avril 2015
Finissage en présence de l'artiste le jeudi 16 avril 2015 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
JILIEN SALAUD né en 1977, est un artiste au parcours atypique. Après des études scientifiques, il se tourne vers l’ethnologie avant de partir vivre plusieurs années en Guyane où il travaille dans la forêt tropicale pour la protection de l’environnement.

De retour en France, il s’oriente alors vers une formation en arts plastiques. En 2010, il est la révélation du 55e Salon de Montrouge et en 2012 il est présenté au Palais de Tokyo à Paris.

Après plusieurs expositions en France et à l’étranger, il développe en collaboration avec le Colysée, maison Folie de Lambersart, pour le projet Eldorado (lille3000), une démarche artistique nouvelle, puisant dans les rapports humains et créant du lien social autour de ses pratiques artistiques.

Nourri par ses nombreux voyages et ses expériences personnelles, l’artiste a beaucoup appris du poids des sentiments, du pouvoir des légendes et de la puissance de l’imaginaire.

Depuis plusieurs années, JULIEN SALAUD travaille des matériaux et des techniques bien connus des peuples amérindiens : perles, plumes, fourrures, nœuds de flèches, tissages…

Il s’est aussi tourné vers le travail de la cire, du métal (plomb et étain), du bois, de la paille, du plâtre et plus récemment de la céramique.
Il développe aujourd’hui un travail collaboratif suite à l’exposition Jungle & Sentiments pour laquelle il a travaillé avec presque 200 volontaires sur l’élaboration d’oeuvres monumentales

Depuis, JULIEN SALAUD presque quarantenaire, oeuvre activement dans la fabrication de créatures célestes que l'on a pu voir autant à Singapour (Art Garden) qu'à Paris (Palais de Tokyo), à New-York (Galerie Friedman Benda) ou à Tel-Aviv (musée d'art contemporain de Herzliya).

Passionné par les liens, les forces et la symbolique qui unissent l’homme à la nature, il compose ainsi un bestiaire magique.

Selon lui, chacune de ses oeuvres offre « un point de vue différent sur ce que peut être un animal (celui du cartésien ou du généticien, du prédateur ou de la proie, du sorcier ou du mystique)».

Entre la sculpture et la bête - faites pour les plus impressionnantes d’animaux empaillés, de colle, clous, perles de rocaille et fils de coton blancs -, ou autour de constellations d’animaux crées par un réseau de fil de coton blanc illuminé par des lampes U.V., l'univers quasi fantasmagorique, onirique de JULIEN SALAUD transmue la nature des animaux par leur propre essence.

Inspiré par l’ethno-astronome Chantal Jègues-Wolkiewiez pour qui les troupeaux de la salle des taureaux dans la grotte de Lascaux reprendraient les dispositions d’étoiles dans le ciel, JULIEN SALAUD produit à chaque nouvelle invitation de nouvelles interprétations de Grotte stellaire, dont celle pour les caves de la Maison Ackerman près de Saumur, pour laquelle il a pu lui offrir il semble la plus singulière et monumentale installation jamais entreprise par l'artiste.

L'exposition au sein de la galerie s'évertuera alors à illustrer cette fable que Julien dessine autour des rapports entre la cosmologie, la science naturelle et la tâche de l'artiste, en présentant un extrait de plusieurs de ses séries (Photonirismes, gravures zoographiques dessins automatiques, Guerriers Traversières, Trophée), ainsi qu'une pièce plus conséquente au centre de la galerie : Nuit étoilée (Mont à la chevrette), créée pour le dernier Salon de Montrouge.

Capreolus mundi, JULIEN SALAUD, 2015.
Taxidermie de chevreuil, plumes, os de poisson, graines végétales, coraux, coquillages, dents de sanglier, 40 x 30 x 75 cm.

Vue Exposition

Vue exposition JULIEN SALAUD, galerie Artyfamily, mars 2015.

Nuit Etoilée

Extrait Nuit étoilée (Mont à la chevrette), JULIEN SALAUD, 2014.
Taxidermie de chevrette, clous, fils de coton blanc, bandelettes de plâtre, fils de perles, 347 x 200 x 200 cm.

> 2014-15
BRECHT EVENS
Exposition du 05 janvier au 19 février 2015
Finissage en présence de l'artiste le vendredi 19 février 2015 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
BRECHT EVENS a vingt-deux ans quand il sort de l’école Saint-Luc de Gand (Belgique) avec, sous le bras, Les Noceurs, son projet de fin d’études.

Son style inimitable, qui se caractérise par une maîtrise remarquable de la couleur et des transparences, l’éclatement des perspectives et le goût du détail, suscite immédiatement l’enthousiasme.

Publié en 2010, Les Noceurs obtient le prix de l’Audace au Festival international de la Bande Dessinée d’Angoulême.

Avec la parution des Amateurs (2011) et de Panthère (2014), la notoriété de Brecht Evens n’a cessé de croître, en France, où il vit désormais, comme à l’étranger, et dépasse aujourd’hui largement les frontières du monde de la bande dessinée.

En 2018, il publie Les Rigoles chez Actes Sud BD, impressionnant roman graphique de plus de 300 pages, qui raconte les errances de trois noctambules dans une ville chimérique et sublime.

Pour cette bande dessinée, BRECHT EVENS reçoit le Fauve – Prix Spécial du Jury au Festival international de la Bande Dessinée d’Angoulême 2019.

Entre deux livres, Brecht Evens travaille pour la presse, la mode, et est représenté par la galerie Martel à Paris.

Ses romans graphiques sont publiés par Actes Sud BD et autant ces ouvrages que l'homme, peut vous paraitre hors-norme à la rencontre, car emplis de subtilité, mystère, élégance et fantaisie, ceci dans l'excellence du geste.

Vous remerciez l'artiste pour sa féérie en transparences colorées, il vous répond « Mon plaisiiir...» aussi élégamment que le prince-héritier de Panthésia le fait dans son ouvrage Panthère (2019).

C'est de son école d'art à Gand où il découvre entre autre la sérigraphie, qu'il garde cette recherche de superposition de plans, de petites scènettes en une narration sur pleine page avec fausses perspectives, à l'image de l'oeuvre de Giotto, des tapisseries flamandes ou des miniatures persanes auxquelles il aime à se référer.

Sans case, cadre et bulles, les compositions-tableaux parfois épurés, parfois généreuses de détails, rendent les personnages vivants bien qu'ils semblent pourtant déjà très muables dans la forme. Nous obligeant du reste à ouvrir à nouveau l'ouvrage une fois lu à cause de cette page-ci et de cette page-là qui nous a intriguée.

Car il semble bien que l'auteur souhaite que notre œil trébuche, tout comme son âme a cherché à le faire pour son dessin : aucun croquis pour user de l'écoline et gouache.

Pinceau apposé directement sur le papier 250 grammes et l'aventure est partie avec ses « heureux accidents », vécue prudemment.

Nous plongeons avec l'auteur dans la magie de multiple aplats parfois abstraits, de personnages légers ou sombres parfaits figuratifs, et de clins d'œils qui nous réunissent car universels.

La légèreté du trait dans l'ombre et lumière d'une déconstruction de perspective, la facilité pour exprimer la délicatesse ou rudesse d'un mouvement nous rappelle Hockney et Picasso.

Extrait Panthère, BRECHT EVENS, 2014, éditions Actes Sud BD.

Expo Brecht Evens
Extrait Les Amateurs, BRECHT EVENS, 2011, éditions Actes Sud BD.

> 2014-15
JESSICA LAJARD
PRIX KRISTAL - SALON DE MONROUGE 2014
Exposition du 03 novembre au 20 décembre 2014
Finissage en présence de l'artiste le vendredi 12 décembre 2014 à 18h.

R NOTRE JEUNE PUBLIC :
Après avoir grandi dans les Caraibes, JESSICA LAJARD sort diplômée en 2010 de l’École des Beaux Arts de Paris.

Son œuvre propose un répertoire de formes librement inspirées de l’imaginaire populaire, flirtant avec le grotesque et l'intime.

Parfois issues d’un dessin, ses installations se déploient ensuite dans l’espace, à l’instar de son exposition au 59ème Salon de Montrouge (2014) avec la pièce Love Birds : immersion dans une scène de carte postale, où les textures -céramique, marbre et textile- se mélangent, le tout créant une atmosphère de coquillages et crustacés pétillante et surréaliste.
> MONTROUGE KRISTAL 2014

De même, pour sa nomination au Prix Révélations Emerige en 2015, elle introduit le visiteur dans une installation, Somewhere Where the Grass is Greener, cette fois plus personnel et rappelant l’univers domestique.

Outre sa participation à de nombreuses expositions collectives et foires d’art, JESSICA LAJARD a notamment exposé au Musée National Adrien Dubouché – Cité de la Céramique Sèvres & Limoges, après sa résidence à l’ENSA Limoges.

C'est après son diplôme que JESSICA LAJARD découvre la céramique qu'elle aime à travailler pour sa « matière élastique » et ses accidents de couleurs.

Elle garde, ou développe selon les matières utilisées, un intérêt pour le polystyrène (Playmates, 2012), le marbre (She Shell and Crab, 2014), le tissu (Love Birds, 2014) et la résine avec la pièce Sneeze, 2011, où le dessous d'un nez en céramique, majestueux par sa taille, blanc, immaculé et lisse, fait face là aussi, à son pendant, deux « glaces à eau », ici en résine, de couleur orange et vert menthe.

Les trois éléments posés à l'horizontal se présentent sur une table disposée à hauteur de cuisse. Ils semblent figés, mais le titre de l'œuvre nous informe que nous nous situons après l'action, Sneeze signifiant « éternuer » en français.

L'artiste pratique la sculpture en travaillant une imagerie du quotidien, pour une perception décalée, accentuée par son plaisir manifeste du geste.

Elle dit avoir considérée sa démarche artistique comme conceptuelle, puis pop-art lors de sa formation.

Mais elle préfère se référer aujourd'hui à des influences tropicales provenant de son enfance et adolescence vécues à la Barbade, et qui lui permettent d'user d'un baroque qui n'aurait pas peur de déborder vers un mauvais goût, d'offrir avec légèreté une dimension absurde, un grotesque « à l'anglaise » où les titres des pièces renvoient à des anecdotes personnelles.

Playmates, comme un échange entre deux éléments isolés, présente une tête de lapin, flanquée de deux doigts dégoulinant de peinture rose, fait face à une main monumentale dont l'index et majeur sont remplacés par les oreilles du lapin.

Clin d’œil au rituel infantin, les pièces dialoguent entre elles comme deux composants placés à la même hauteur sur socle, érigés en statue et offrant alors une mise en scène où d'autres niveaux de lecture sont possibles.

Les sources d'inspiration de JESSICA LAJARD proviendront autant de slogans dans la rue, de livres, de clips musicaux mais aussi du travail d'autres artistes, comme les sculptures de Ken Price, Cumul 1 de Louise Bourgeois, le travail de Francis Alys pour sa dimension politique, sociale et poétique, ou bien Grayson Perry qui, justement, se définit comme potier et se déguise en femme, il s’amuse du genre... humour British bien évidemmment apprécié par l'artiste.

Sneeze, 2011, JESSICA LAJARD.
Céramique, résine et bois, 200 x 80 x 85 cm.

The Shell & Grab

The Shell and Grab, 2011, JESSICA LAJARD.
Marbre et céramique, 54 x 41 x 31 cm & 15 x 35 x 18 cm.

Playmates

Playmates, 2012, JESSICA LAJARD.
Résine et acrylique, 180 x 70 x 55 cm et 224 x 130 x 52 cm.

	> 2014-15 VALÉRIE MRÉJEN Exposition du 02 septembre au 18 octobre 2014 Finissage en présence de l'artiste le vendredi 17 octobre 2014 à 18h.		E PUBLIC : Plasticienne, photographe, écrivain, VALÉRIE MÉJEN multiplie les moyens d’expression pour mieux explorer les possibilités du langage. Ses vidéos sont souvent inspirées de souvenirs, d’événements quotidiens, de détails cruels et burlesques de l’existence, de lieux communs, de malentendus. Elle y mélange souvent divers types de récits rapportés ou vécus qu’elle réécrit et réarrange, avant de les mettre en scène avec des comédiens ou des gens de son entourage. Diplômée de l'Ecole d'art de Cergy Pontoise en 1994, l'artiste imprime son réel sur de nombreux supports : photographies, films et livres regroupent une oeuvre intimiste qui dépeint l’enfance et ses souvenirs, les détails cruels ou burlesques de l’existence, les malentendus, les dialogues impossibles. Mais un réel proche du nôtre car dans l'universalité de l'expérience. Pour le travail de trois fictions vidéo présentées à la galerie, nous découvrons qu'elles font partie d'une série de courts où l'artiste aime à exorciser de son quotidien intime des éléments liés à la parole, ceci principalement pour des plans fixes au soin minutieux du détail, avec des dialogues où chaque mot est pesé. Parfois dans l'idée de vouloir pervertir une scène d'ordre privé, obligatoire de la vie de tous les jours, et presque involontairement triste, pour nous l'offrir à voir avec une certaine drôlerie car traitée par l'auteur avec une distance qui lui permet d’éviter le pathos de la confession (Capri, 2008, 7 minutes, et Bouvet, 1997, 1'35 minute). Parfois aussi, et toujours dans une forme brève, ici par des scènes alternées, dans l'envie de nous émouvoir en contemplant des visages pensifs et rêveurs, d' un fragment de vie où la narration se fait par une voix-off, évoquant bien entendu la réflexion intérieure des protagonistes (Ils respirent, 2008, 7 minutes). Mais ces films où VALÉRIE MRÉJEN se partage équitablement entre écrivain et vidéaste, diffèrent d'une collection de courts créés pour Villette sur courts (Princesses, 2013, 5'15 minutes). L'artiste recueille le témoignage d'une soixante d'enfants âgés de 4 à 11 ans et place alors en premier plan les ressentis et émois de l'enfant interviewé autour d'un souvenir de cinéma. Idem pour le portrait d'une génération de lycéens parisiens réalisé en partenariat avec le Jeu de Paume (Voilà c'est tout, 2008, 6 minutes) où l'entretien évoluent entre affirmations et contradictions, autour des rêves et modèles des adolescents, et où la frontière entre art et vie n'est plus.
Voilà C'est Tout, VALÉRIE MRÉJEN, 2008. Vidéo, 8 min. Princesses, VALÉRIE MRÉJEN, 2013. Vidéo, 5'15.

> 2013-14
MONTROUGE KRISTAL
Exposition du 02 au 21 juin 2014
Finissage en présence de certains des artistes le vendredi 28 juin 2017 à 18h

QUATRE OEUVRES SELECTIONNÉES PAR NOTRE JEUNE PUBLIC :

> L'installation Love Birds de JESSICA LAJARD, Prix Kristal du Salon de Montrouge 2014, séduit par la richesse des matériaux utilisés. L'artiste offre une expérience physique où l'on se meut entre coucher de soleil (pièce de velours et laine, 200 x 310 cm) et cocotiers, ces derniers figurés par deux index croisés (céramique de 185 x 95 x 55 cm) ou bien enlacés, car « Love Birds » est une expression anglaise pour désigner un couple d'amoureux.
Un paysage tropical bien chamarré rappelant les origines barbadiennes de l'artiste.
EXPOSITION JESSICA LAJARD

> Curieuse et passionnée, CLÉMENTINE DESPOCQ se tourne vers le bijou qu’elle voit comme un précieux support d’histoires et d’émotions. Issue d’un double cursus métier d’arts et design, elle se forme aux techniques traditionnelles et contemporaines de la bijouterie à l’AFEDAP puis au design industriel produit à la HEAD Genève.

C’est au sein de son atelier qu’elle cultive son langage poétique et révèle la matière. Le travail du métal s’associe à celui de matières singulières comme la perle qu’elle voit comme une matière contemporaine avec d’infinies possibilités.

CLÉMENTINE DESPOCQ présente au Salon de Montrouge des travaux où certains détails du corps humain se confondent à des bijoux créés par elle-même.
Des grains de beauté sur un dos se constellent aux perles dorées de sa pièce Orion. Ou même des cheveux s'égalent dans l'oeuvre Vénus à ceux synthétiques suspendus à un collier en laiton.

> Travail sur la forme concernant la pièce Longue Portée de PIERRE CLEMENT, qui s'évertue ici à créer une nouvelle entité.
L'artiste vit et travaille entre Paris et Bordeaux après avoir obtenu son diplôme à l’ESA des Pyrénées, et reçu l’Aide individuelle à la création de la DRAC Région Languedoc-Roussillon-Midi- Pyréné.
Il aime à préciser qu'il cherche à "créer un maximum d'effets avec peu de moyens", ceci avec des éléments tirés du quotidien.
L'oeuvre est constituée uniquement de deux néons et d'une tenue de camouflage, qui assemblés, leur affichent un autre statut.
Voir même apportent un caractère vivant propre à l'imaginaire de chacun, certains y voient la figure d'un morse, d'autres un chasseur aux pouvoirs de vue extraterrestre, etc...

> Économie des moyens et simplicité du geste sont à la base du travail de sculpture opéré par TATIANA WOLSKA, née en 1977 et qui vit et travaille à Nice. Sa pratique, lente et minutieuse, sublime la simplicité des matériaux (de récupération, toujours) pour en extraire toute la poésie.

Bois, plastique, métal sont quelques-unes de ses substances de prédilection, à l’origine de sculptures à l’aspect organique démentant l’usage premier du matériau.

Ainsi une bouteille de Badoit devient-elle une forme proliférante ou des myriades de petits clous se transforment-ils en un nuage accroché à un coin de mur.

Grand Prix du Salon de Montrouge, les dessins qu'elle y présente sollicite notre imagination sur des formes naissantes de gestes répétitifs, un automatisme permettant à la main de l'artiste de prendre le pas sur l'esprit.

Les lignes sinueuses qui en résultent, montrent des formes organiques associées à des éléments qui les structurent, engendrent un paysage épris de forces naturelles en interaction.

Un dialogue, une lutte entre le développement de lignes fluides et d’autres plus rigides se révèle. L’artiste s’investit physiquement dans ses dessins muraux.

Ils incarnent une longue temporalité et témoignent d’un déplacement corporel d’une grande intensité.

Ses œuvres incarnent les formes du vivant et ont en elles la mémoire d’un geste répétitif, comme une co-évolution des formes qu’elle fait naître et des différentes typologies de travail de la ligne.

L’artiste aime tester des techniques et dessiner avec des outils divers afin de faire surgir des paysages, des nébuleuses, des lignes qui dessinent des terrains escarpés ainsi que des imperfections de la peau, des muscles.

Elle a l’habitude de travailler très tôt le matin considérant le dessin comme un exercice quasi-méditatif.

" Chaque feuille et chaque crayon sont des prétextes pour m’amuser. C’est peut-être la règle dans ma vie également. Je commence mes matinées par dessiner dans mes carnets en buvant mon café et en attendant que mes filles se réveillent. Ils sont très souvent légers ces dessins matinaux. Les grands formats, c’est plus comme des jeux d’échecs. Mais ça reste un jeu. », explique l’artiste.

Espace du corps et topographie se perçoivent dans ses dessinss.

Love Birds (2014) de JESSICA LAJARD,
céramique émaillée, tissu et laine, dimensions variables.

Vénus de Despocq
Vénus CLEMENTINE DESPOCQ,
Parure, laiton, cheveux synthétiques, 66 x 20 x 6,5 cm..

Longue portée, PIERRE CLÉMENT,
Tenue de camouflage sniper Ghillie, tubes fluorescents, 220 x 90 cm.

> 2013-14
ROMAIN BERNINI
Exposition du 14 avril au 30 mai 2014
Finissage en présence de l'artiste le vendredi 30 mai 2014 à 18h

TEXTE DE JEAN-MAX COLARD :

" Lʼhistorien dʼart Daniel Arasse avait coutume de dire quʼil fallait savoir attendre que la peinture se lève.

Autrement dit quʼelle se révèle, quʼelle vienne à nous pour lever un pan de son voile. Face aux peintures de ROMAIN BERNINI, jʼai souvent lʼimpression de voir ce chemin se faire à même la toile : sans attendre trop de notre patience, quelque chose vient au-devant de nous, une figure ou un événement.

Et peut-être chez lui la peinture se fixe, sʼarrête dans le moment de ce surgissement, de ce quelque chose qui vient, qui advient.

Jʼai lʼimpression que tout lʼart de ROMAIN BERNINI, cʼest de faire venir."

Depuis une dizaine d’années, le peintre développe un œuvre où la tradition figurative est imprégnée des questionnements modernes et contemporains de la peinture : le rapport à l’espace, l’échange avec la reproduction, les allers-retours entre mythologie et culture populaire.

Les tableaux de ROMAIN BERNINI n’évoquent pas d’histoire particulière, si ce n’est celle d’une énigme, d’un temps suspendu.

Les différentes couches, trouées et coulures laissées volontairement visibles, se superposent, s’enchevêtrent, créant le trouble, appliquées d’une manière trop immatérielle pour qu’on puisse rester à la surface.

Jeune peintre français découvert en 2006 au Salon de Montrouge, pensionnaire de la célèbre Villa Médicis à Rome en 2011, ROMAIN BERNINI portraitise sur la plupart des toiles de la série Cargo Cult, 2014, un personnage seul, semblant être un de nos contemporains et portant un masque d'une ethnie autre que la nôtre, celle d'un Hopi d'Arizona ou d'un Dongo d'Afrique de l'Ouest par exemple.

Le masque, annonçant le rite mais demeurant pourtant immobile, nous offre alors cet entre-deux latent, voire absurde, narrant peut-être un basculement qui ne se produit pas :
ce contemporain maîtrisant toutes les variables du spectacle aura-t-il les épaules pour honorer le port de ce masque primitif ?

L'artiste cherche à s'éloigner semble-t-il de l'empathie liée à la représentation d'un visage, aspirant selon lui tous les regards.

Il précise même : " Il m'a semblé évident après la rencontre des masques et de leur culture qu'elle faisait chuter et changer de statut les personnages, et qu'elle proposait une sorte de suspens, d'extase, et éventuellement une nouvelle voie à ce rapport à l'autre ".

Cette nature implicite se retrouve dans les quatre autres toiles présentées à la galerie : un grand format de la série Woods, 2014-2013, Intoxidated Bird, 2011), Without Any Consequence, 2012, et Un tremblement, 2014 où plus rien ne structure le tableau à part une figure centrale.

L'importance de cette dernière est accordée par le peintre en la détachant d'un fond abstrait, coloré et déliquescent, avec parfois un indice comme une flaque d'eau.

On ne trouvera pas de notion de perspective dans ces arrières-plans, à part dans quelques trouées amenées par des couches précédentes de peinture, comme une succession de peaux.

C'est là plus un travail de peintre que la nostalgie d'un animisme.
ROMAIN BERNINI vit ce médium simple et vivace en amoureux, pour suivre un « chemin de peinture » ; où la trame fournie d'une facture intense (manques, doutes, couleurs, temps sur surface) constitue une matière dense, un sédiment, le fruit d'un travail où il ne serait plus que le passeur au fond.

" Tout œuvre d'art est active.
Le propre d'une œuvre est de dépasser simplement les éléments et la narration dont elle est faite, qu'elle produise un grand tremblement, quasiment un larsen ;
l’œuvre vient d'avantage poser des questions, mettre en doute qu'apporter des réponses, elle doit tordre la matière comme le poète le fait avec des mots" précise-t-il.

Poumon
Woods, ROMAIN BERNINI, 2013.
huile sur toile, 200 x 160 cm.

Cargo Cult (2011) de ROMAIN BERNINI,
Huile sur toile, 193 x 207 cm.

Un tremblement, ROMAIN BERNINI, 2013.
Huile sur toile, 54 x 73 cm.

> 2013-14
CATHERINE NOURY
Exposition du 04 mars au 11 avril 2014
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 10 avril 2014 à 18h

Née à Lorient, CATHERINE NOURY vit et travaille à Paris. Après des études de littérature et de linguistique, elle devient photographe en 1989.

Elle démarre en 2004 un projet sur le portrait qui l’amène à réaliser une série de silhouettes cousues,
et les identités farfelues que ces silhouettes permettent.

Ce sera le point de départ de son travail avec le fil, dans lequel elle étudie au plus près, -avec une technique de broderie en volume- les motifs du paysage et de l’anatomie.

L'artiste reste observatrice dans la plupart de ses travaux, d'un système vivant en mouvement, voire en équilibre instable.

Jusqu'à ce jour, elle a traité la question de fragilité et de « deuxième peau » résultant de cette instabilité, autour de la personne humaine par le biais de son vêtement, autour du végétal ou de sa représentation sophistiquée, et enfin autour de l'organe même.

Depuis, à la suite d'une commande de la DRAC Poitou-Charentes pour l'atelier de broderie d'art Le Bégonia d'or, elle a commencé deux nouvelles séries :

- Rêver d'Icare, 2013, où une aile d'oiseau découverte dans la rue devient une sculpture de modules en papier blanc découpé, comme une amorce de deuxième vie ; thématique du vol de l'oiseau également illustrée par une cinquantaine d'esquisses à l'encre sur calques A4 qui s'apparentent à des recherches préparatoires, calques que nous présentons à la galerie.

- La presqu'île, 2013, sur des carnets A4 ou papiers A3, avec une série toujours en cours, de dessins de buissons et de dunes où le crayonné noir évoque la corrélation entre mouvement, lumière et souffle.

CATHERINE NOURY travaille alors, et à nouveau, sur le paysage, " les stratégies du vivant et des petites existences " dira-t-elle, la croissance d'une nouvelle pousse.

Elle reprend ici, comme lorsqu'elle brodait, la minutie d'un geste concentré, répétitif où l’œuvre se créé avec le temps par prolifération, ramification, autour des existences modestes devant lesquelles on passe souvent sans s'arrêter.

L'idée de mutation dans les travaux de cet artiste est significatif dans sa toute dernière pièce : un grand nuage blanc qui prolifère en modules de papiers découpés, tel les végétaux brodés en volume dans sa précédente exposition Histoires naturelles.

Des robes de L'éternelle Fiancée aux pièces Poumon ou Nuage, CATHERINE NOURY brode ou sculpte le trajet d'un rêve teinté de poésie.

Poumon
Poumon, CATHERINE NOURY, 2011.
Broderie au fil de coton et fil dʼor, 15 x 14 x 5 cm.

Tenir à un fil

Tenir à un fil, CATHERINE NOURY, 2003, extrait d'une série de dessins préparatoires.
Encre et crayon gras, patrons en tissu et papier japonais.

> 2013-14
SIMON ROUSSIN
Exposition du 13 janvier au 28 février 2014
Finissage en présence des auteurs des éditions Magnani le mercredi 28 février 2014 à 18h

Le travail de SIMON ROUSSIN, dessinateu et illustrateur de 24 ans. porte sur la figure du héros, où il cherche dans ses histoires à retrouver le souffle de ses lectures enfantines.

C'est aux Arts décoratifs de Strasbourg, dont il sort diplômé en 2011, qu'il fait la connaissance de Marion Fayolle et de Matthias Malingrëy, avec qui il fonde la revue Nyctalope.
Fort de cette expérience formatrice, SIMON ROUSSIN n'attend pas la fin de ses études pour publier Robin Hood (L'Employé du moi, 2010), puis surtout, l'année suivante, Lemon Jefferson et la Grande Aventure, aux éditions 2024, sises dans la capitale alsacienne.

Flamboyant récit post-apocalyptique mis en couleur aux feutres, l'album est retenu en 2012 dans la sélection officielle du Festival d'Angoulême.
Paraît la même année Heartbreak Valley (éditions 2024), un road-trip étrange dans une nuit sans fin, traité via un clair-obscur dépouillé qui tranche nettement avec ses précédentes productions.

Pour autant, ces trois premiers livres font déjà apparaître avec force les lignes directrices de son travail : l'envie de rendre hommage à ses lectures d'enfance, un talent magistral pour la couleur et la lumière et, surtout, une grande audace graphique et narrative. Et la figure du héros, moteur du récit d'aventure classique dans lequel il a baigné, s'impose déjà comme la colonne vertébrale de son œuvre.

On la retrouve par la suite dans ses livres jeunesse (Les Aventuriers et Le Bandit au colt d'or, éditions Magnani), aussi bien que dans ses deux albums abordant l'épopée de l'Aéropostale, à savoir Prisonnier des glaces et Xibalba (éditions 2024, en sélection officielle au Festival d'Angoulême en 2019).

Assumant avec sincérité son amour de la bande dessinée classique mais également du cinéma, SIMON ROUSSIN a su reprendre à son compte les codes du genre, sans pour autant jamais dévier de son propre chemin artistique.

" Il y a dans le genre une évasion totale, une immersion complète dans un récit qui peut nous transporter bien au delà de notre réalité, du quotidien. Et finalement, nous permettre d’y projeter des questionnements intimes, personnels.
Le récit de genre est pour moi la meilleure façon de dissimuler modestement des problématiques plus profondes sous une jubilation première d’inventer des histoires, de créer des personnages, de les faire vivre et mourir."

Livre après livre, il a ainsi développé une voix singulière et affirmée, en particulier à travers des coups de génie scénaristiques, un dessin subtil et une mise en couleur d'une radicalité déconcertante.

Sans titre,SIMON ROUSSIN, 2012.
Feutres et tipex sur papier, 35x50 cm.
Le bandit au colt d'or, éditions Magnani, 2013.

Sans titre, SIMON ROUSSIN, 2012.
Feutres sur papier, 35x50 cm.
Le bandit au colt d'or, éditions Magnani, 2013.

> 2013-14
MARION POUSSIER
Exposition du 03 décembre 2013 au 11 janvier 2014
Finissage en présence de l'artiste le samedi 14 décembre 2014 à 14h

Née en 1980, MARION POUSSIER est diplômée de l’ENS Louis Lumière.
Son travail photographique est motivé par le désir d’aller à la rencontre de l’autre, la volonté d’engager un dialogue par l’image. Dans un face à face quasi chorégraphique, elle enregistre le langage des corps dans la vie de tous les jours.

Ses photographies n’ont rien de l’événementiel, tout au contraire, elles s’en écartent, pour ne sonder que les détails de moments particuliers, faisant frein à l’urgence de voir.

"Elle rentre dans son sujet par le cadre, la distance, un regard doux et pur, proche du réel. On voit sa personnalité, elle a quitté le romantisme post-Cartier-Bresson.
Ses images sont simples, magnifiques". Voici les propos de Raymond Depardon sur la série Un été de la photographe après avoir sélectionné en 2006 pour les Rencontres Internationales de la Photographies en Arles.

C’est en relisant sa mémoire que la photographe nous implique dans ce monde complexe de l’adolescence.
Elle s’éloigne des chamboulements que traversent ces jeunes, bousculés, bringuebalés par nos sociétés.
Elle procède par découpage dans les colonies de vacances. C’est son champ d’investigation. Dans cet espace en creux elle positionne son point de vue.

Devant elle, les personnages de son choix, évoluent silencieusement dans ce décor où se chuchotent des gestes teintés de couleurs sucrées.
Cette évanescence de moments tendres et mélancoliques évoque tout à la fois, le reflet de nos sociétés et le miroir de nos souvenirs d’enfance.

C’est en relisant sa mémoire que la photographe nous implique dans ce monde complexe de l’adolescence.
Elle s’éloigne des chamboulements que traversent ces jeunes, bousculés, bringuebalés par nos sociétés.

Elle procède par découpage dans les colonies de vacances. C’est son champ d’investigation. Dans cet espace en creux elle positionne son point de vue.

Devant elle, les personnages de son choix, évoluent silencieusement dans ce décor où se chuchotent des gestes teintés de couleurs sucrées.

Son travail a été récompensé à de nombreuses reprises, avec en dernier lieu le prix de photographie de l’Académie des beaux-arts pour la série Famille, qui lui offrira un an pour réaliser ce travail s’inscrivant à nouveau dans sa démarche sur le lien social.

C’est cette préoccupation qui a poussé la photographe à cadrer des scènes de groupe avec enfants dans Récréation, les habitants d’un immeuble dans Ils habitaient au 61, rue d’Avron, des vieux en maison de retraite dans les Corps invisibles, des adolescents en colonies de vacances dans Un été.

Elle travaille ses moyens-formats carrés couleurs à l’ancienne, sur planches-contacts, comme le faisait dans les années 1970, Diane Arbus, l’une de ses références.

L'œuvre de MARION POUSSIER s'articule autour de l'impalpable, le flou, comme un son, une odeur, un geste.
Un moment intime, ordinaire et fugitif qui laisse malgré tout une empreinte sur notre mémoire. Et ce suspens de ce vivre ensemble témoigne selon l'artiste de modèles culturels et familiaux d'une communauté en évolution.

Car Marion Poussier milite pour une société plus tolérante.
Dans la série Iran, Liban, Israël, la libre circulation des désirs, elle créé un même décor pour trois viles : Tel Aviv, Beyrouth et Téhéran.

Avec une jeunesse actuelle qui ne communique plus, et qui ici s'unit idéalememt.
Parce que les corps s’expriment intensément, librement, leur énergie se construit un lien sociétal privilégié, une mémoire collective.

Un été, Marion Poussier.
Tirage lambda contrecollé sur Dibond, 40x40 cm, 2005.

2013

Iran, Liban, Israël, la libre circulation des désirs, MARION POUSSIER, 2008.
Tirage lambda contrecollé sur Dibond, 80x80 cm.

> 2013-14
CAMILLE GIRARD & PAUL BRUNET
Exposition du 04 octobre au 13 novembre 2013
Finissage en présence des artistes le mercredi 13 novembre 2013 à 18h

Née en 1985 à Quimper, né en 1980 à Angoulême, CAMILLE GIRARD et PAUL BRUNET sont diplômés de l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Quimper en 2008.

"Camille Girard et Paul Brunet saisissent à quatre mains les échos du monde par une pratique assidue du dessin. Un dessin, à la manière des plus grands mangakas, nourri d’attentions à ce que nous avons sous les yeux de plus simple ou de plus trivial, un chat qui vous fixe, une collection de jouets, un jardin sous la neige. Mais ils sont tout aussi attentifs à ce qui nourri notre regard, les livres lus, les oeuvres digérées, les films à revoir ou à découvrir. Soit un paysage culturel à l’image de ceux qui font parler la nuit et tiennent alerte le jour.
Une poétique mettant en relations l’ailleurs et la distance à ce qui engage les proximités. Aussi depuis leur vigie au 24 rue Madame de Pompéry, Camille Girard et Paul Brunet, nous parlent du monde qu’ils ont sous les yeux et des mondes qu’ils désirent, et cela le plus simplement possible, c’est à dire avec la plus grande complexité qu’ils savent nous rendre évidente."
Extrait du texte 24 rue Mme de Pompéry / Un panorama, de Burno Peinado en 2012.

À deux doigts ou à trois pieds, à quatre coudes ou à deux nez, avec le pouce ou leurs dentiers, Camille et Paul dessinent.
Sur un tatamis ou sur un tas de bois, sur leur tabagie ou leur gueule de bois, Camille Girard et Paul Brunet dessinent. Qu’il fasse beau en hiver, froid en été, humide au printemps ou sec en automne, Camille Girard et Paul Brunet dessinent. En fumant des cigarettes, en mangeant des tartelettes, en jardinant ou en bougeant la tête, Camille Girard et Paul Brunet dessinent.

"(…) Camille et Paul ont mis au point un art d’observer ce qui pourrait paraître dérisoire ou banal, mais la lumière avec laquelle ils l’éclairent nous convie à y regarder de plus près. Ces instants de vie qu’ils nous offrent, par la multiplication des traits, le soin et la précision de la reproduction manuelle, sont pris dans l’épaisseur du temps.

La douceur qui en résulte est l’antithèse d’une action virile ou autocrate, ils accomplissent un art du care, donnent de l’attention.

Ils n’ont jamais cessé de nous raconter une certaine politique du vivre ensemble, une utopie de l’amitié au sens large : les ami·e·s, les chats, la maison-grotte, le jardin, la mer – leur monde se partage et se vit avec eux. L’amitié n’est pas un petit club, l’amitié est un art de vivre."
Extrait du texte de Joëlle Bacchetta, 2018.

Le Mur, CAMILLE GIRARD & PAUL BRUNET, 2013.
Encre de chine sur papier, 52,5 x 70 cm.

Le jardin et le chat, détail, CAMILLE GIRARD & PAUL BRUNET, 2012.
Encre de chine sur papier, diptyque, 2 x 100 x 125 cm

	> 2013-14 MARIE DENIS Exposition du 02 octobre au 03 novembre 2013 Finissage en présence de l'artiste le vendredi 1er novembre 2013 à 18h		MARIE DENIS est née en 1972 à Bourg-Saint-Andéol, en Ardèche. Elle vit à Paris et travaille partout. Après les beaux-arts de Lyon, elle est pensionnaire à la Villa Médicis en 1999. Si elle est sculpturale, son œuvre n’en prend pas moins des formes très variées, où « les règnes » de la nature sont le fils d’Ariane. Ses installations, sculptures et objets, sont conçus à partir de matériaux bruts ou détournés et se plaisent à détourner les règles, repaires, et savoir-faire, pour les poétiser. " Ma pratique se nourrit de toutes les stimulations, les impressions vives, irrationnelles et concrètes de la vie, qui sont pour moi comme l’huître fait sa perle : Un accident qui produit un enchantement ». Grande observatrice du quotidien,lses oeuvres de MARIE DENIS relatent d'un rapport privilégié avec la nature, pour une interprétation inédite du végétal, et où émane une force presque vitale de l'objet qui en résulte. Parce que selon l'artiste, la forme artistique participe d'un positionnement dans la société, elle cherche à détourner les matériaux, à déplacer leurs usages. Une simple grappe de raisin dépouillée de ses fruits (Nue, sculpture en frène, 2012) devient alors une sculpture biomorphique, éloignant nos préjugés quant à l'idée du beau, offrant à ce dernier une nouvelle vertu. Depuis vingt ans, elle poursuit cette recherche sur le monde végétal, entre expérimentations et métamorphoses, dans lesquelles elle essaie formats et matières. Son travail prend des formes photographiques, imprimées, sculpturales, minéralisées par des couches ou capturées entre deux verres. MARIE DENIS filtre et revisite sans cesse les techniques qui fécondent ses formes. Par ces explorations, son point de vue subjectif sur la nature se manifeste, en faisant la matière poétique.
Stanley chez les Incas, Truc-Anh, 2008. Photographie argentique sur tirage C-Print contrecollé sur Dibond, 60x80 cm, série L'opéra de Stanley Nue -La grappe de raisin- MARIE DENIS, 2012. Sculpture en frêne, 135 x45 cm.

> 2013-14
TRUC-ANH
Exposition du 02 septembre au 28 septembre 2013
Finissage en présence de l'artiste le vendredi 27 septembre 2013 à 18h

Né en 1983 à Paris, après avoir étudié à l’École Boulle, TRUC-ANH est diplômé de l’ECAL de Lausanne et de LA CAMBRE de Bruxelles où il a par la suite enseigner. Il vit et travaille entre Paris et Ho Chi Minh Ville (Vietnam). Ses oeuvres font parties de collections privées et publiques parmi lesquelles l’Espace Lausannois d’Art Contemporain ou la Artist Pension Trust à Pékin.

TRUC-ANH crée des images mentales. La peinture et le dessin sont pour l’artiste le moyen de questionner le rapport de la représentation à l’existence des choses, qu’elles soient fantasmées ou ancrées dans une réalité tangible.

Dans un monde contemporain totalement saturé d’images (internet, le cinéma, la publicité, les téléphones et autres appareils photographiques...), la peinture ou le dessin sont pour l’artiste un moyen d’observation et de compréhension de ce phénomène de saturation, un moyen d’éprouver l’image.

Combattre l’image par l’image.
Le dessin par sa spontanéité et son geste libre revêt une dimension shamanique en révélant des formes cachées et permet à TRUC-ANH de se saisir d’une multitude d’images rencontrées au hasard sur internet, dans les livres ou publications périodiques.

" Lors de mes expositions, mon but est de challenger le spectateur en créant des énigmes visuelles", précise l'artiste.

"Certaines personnes sont hermétiques à mon travail car elles n’y comprennent rien, d’autres jubilent pour les mêmes raisons.

(...) L’oeuvre entretient un rapport de force, mélange de répulsion et de séduction, avec le spectateur.

(...) Le réel n’est que l’ombre portée de l’imaginaire. Tout part de l’imaginaire. Nos objets, nos villes, nos dieux, nos traditions, nos valeurs, tout a été créé.

(...) Il y a plus à voir dans ce qu’on ne veut pas voir. C’est ici, aux frontières de notre possible, qu’il faut écarquiller les yeux. "

A cheval entre les mondes, celui de la France où il a grandi et celui du Vietnam dont il est originaire et où il est reparti, TRUC-ANH procède dans son oeuvre à un travail d’introspection, comme un retour aux sources, dans lequel la lumière vient peu à peu révéler l’invisible.

Truc-Anh

Stanley chez les Incas, Truc-Anh, 2008.
Photographie argentique sur tirage C-Print contrecollé sur Dibond, 60x80 cm.

Door#079

Doors #079, Truc-Anh, 2008.
Scanner haute-def sur tirage C-Print contrecollé sur Dibond, 150 x 150 cm.